Malerei und Zeichnung aus der Neuen Leipziger Schule Beide Künstler eint ihr grundsätzliches Interesse an der visuell-haptischen Formulierung von Oberflächen und Stofflichkeiten. Die optische Durchdringung von Formen und Materialien spielt in ihren Arbeiten ebenso eine Rolle wie die Dichotomie von Sicht- und Unsichtbarkeit. Burger und Guggisberg erschaffen jeweils eine neue Welt aus scheinbar realen, greifbaren Objekten und Dingen, die mit hoher Präzision in der Ausführung aus dem Untergrund von Papier und lasierender Ölfarbe heraus­­gebildet sind.

A selection of essays, interviews, conversations, and projects appeared in the first ten years of Mousse. Featuring: Chantal Akerman; Cecilia Alemani; Jennifer Allen; Kai Althoff; Bruce Altshuler; Ed Atkins; Lutz Bacher; Darren Bader; Alex Bag; John Baldessari; Phyllida Barlow; Kirsty Bell; Andrew Berardini; Jonathan Berger; Michael Bracewell; Tom Burr; Maurizio Cattelan; Marc Camille Chaimowicz; Sofía Hernández Chong Cuy; Carolyn Christov-Bakargiev; Stuart Comer; Lauren Cornell; Nicholas Cullinan; Roberto Cuoghi; Nick Currie; Massimo De Carlo; Gino De Dominicis; Jens Hoffmann; Judith Hopf; William E. Jones; Omar Kholeif; Alexander Kluge; Jiří Kovanda; William Leavitt; Élisabeth Lebovici;Seth Price; Laure Prouvost; Alessandro Rabottini; Carol Rama; Filipa Ramos; Jason Rhoades; Dieter Roelstraete; Esperanza Rosales; Nicolaus Schafhausen; Fender Schrade; Stuart Sherman; Frances Stark;Christopher Williams; Jordan Wolfson.

Catalogue published on the occasion of the exhibition Artists’ Documents: Art, Typography and Collaboration at MMCA in Seoul (May 26 – August 31, 2016), organized by Roma Publications and mediabus. Besides exhibition views this books contains a complete and richly illustrated Roma Publications backlist from number 1, published in 1998, till this book (Roma 272), published in August 2016. Text in English and Korean, with contributions by Min Choi and LIM Kyung yong. Design: Na Kim and Roger Willems with a cover illustration by Karel Martens.

dezember 2016

dezember, 2016

“Long Play” ist ein einfühlsames Photobuch über die Ära der Langspielplatte. In den letzten zehn Jahren hat der Photograph Arne Reimer alte Schallplattenläden und ebenso Plattensammler in Europa und in den USA aufgesucht. Seine zeitgenössischen Portraits als auch seine Interieuraufnahmen widmen sich behutsam der Vergangenheit. Die Vinylplatte war einst das dominante Medium, schreibt Ulf Erdmann Ziegler hierzu in seinem Essay, aber ihre wahrhaftige Bedeutung zeigte sich erst, als vor 25 Jahren Second-Hand-Läden die Platte wieder verkauften. Reimer blickt zurück auf das analoge Zeitalter: Stapel mit Plattencovern, Außenansichten von Läden und Kisten mit einer gewissen Patina zeigen sich in seinen Photographien. Sein Photobuch wird zusätzlich ergänzt durch alte, gefundene Photographien, die sich auf die Entwicklung des Mediums konzentrieren und zeigen, wie die Schallplatte Teil des Alltags und der Popkultur wurde. ***** “Long Play” is a subtle and intense photo book about the era of the vinyl record. For more than a decade, photographer Arne Reimer has visited record stores and collectors in Europe and the United States. His contemporary portraits and interior photography also deal thoughtfully with the past. The vinyl record was once a powerful medium, writes Ulf Erdmann Ziegler in his essay, but it's greatness really only became visible when second-hand stores took over twenty-five years ago. Reimer looks back to an analogue age: carefully collecting evidence in dusty crates, shop windows and stacks of record covers. In addition, his photobook shows found footage that documents the evolution of the medium and how the record became part of every day life and popular culture.

Während Mathias Fuchs in seinem Artikel „Gamification – Geheimwaffe oder Bullshit?“ der Relevanz des Spielens in spielfernen Kontexten nachgeht, wirft Lieselotte van Leeuwen in „The Rhetorics of Play – Gedankenspiele“ einen psychologischen Blick auf diese Tätigkeit und erläutert die sich daraus ergebenden Möglichkeiten für Designer. Auf welche Art und Weise Spielregeln ihren partizipativen Designprozess informieren, verraten Roel Wouters und Luna Maurer von Studio Moniker in einem Interview, das Sie als einen von drei Artikeln online lesen können. Der Realität im Spiel kommt das Entwicklungsstudio Crytek in ihrem neuesten Virtual Reality-Spiel „Robinson: The Journey“ näher. Wir haben mit dem Artdirektor des Spiels, Pascal Eggert, über die Herausforderungen dieser neuen Technologie gesprochen. Außerdem ergänzen sechs Praxisbeispiele aus den Bereichen Architektur, Grafik- und Produktdesign den Focus. Des Weiteren beleuchten wir die aktuelle Ausstellung „Thinking Tools. Design als Prozess: Wie Schreibgeräte entstehen“ im Museum Angewandte Kunst in Frankfurt am Main kritisch, widmen uns dem gestalterischen Umgang mit Farbe und begeben uns in der Rubrik Archive in die Kasseler Gestaltungsszene der Nachkriegsjahre. Mit dem ersten von sechs Teilen der Serie „Revisiting the Past“ feiern wir auf 16 Extraseiten das 60-jährige Bestehen der form und leiten damit unseren Jubiläumsjahrgang ein. Ausgehend von den Artikeln des Industriedesigners Herbert Lindinger zur „Design Geschichte“ aus den Jahren 1964/65, die Sie hier nachlesen können, bieten wir in der Reportage „Ein Bild von einem Stuhl – Collecting Design“ über den Designsammler Sebastian Jacobi eine neue Perspektive auf die historischen Zusammenhänge der Dinge. Ebenfalls in neuem Licht erscheinen die drei Artikel aus dem Heft, die Sie wie immer online lesen können. Diesmal gehört das bereits erwähnte Interview mit Studio Moniker zur Auswahl, ebenso wie der Artikel „Private Utopias“, der dem Verhältnis zwischen Privat- und Arbeitssphäre nachgeht, und der Beitrag „Web brutal“ zu Webseiten, die sich bewusst einer Ästhetik aus den Anfängen des Internets bedienen. In den form Dossiers erweitern wir außerdem den Artikel zu Gestaltern aus Basel um den Sedici-Verlag, haben ein Interview mit den Autorinnen von „Vom Blatt zum Blättern“ geführt und die beiden Designer des faltbaren Kanus Onak zu ihrem Produkt befragt.

edizione multicolore, leipzig 2016

Von jeher wird Wissen durch Werkzeuge, Architekturen, Bilder und Modelle hervorgebracht. Wie Wissen und Gestaltung ineinandergreifen, beleuchtet der Begleitband zur Berliner Ausstellung. Er präsentiert ausgewählte Exponate; Essays hochkarätiger Autoren dokumentieren und erhellen die vielschichtigen Dimensionen des Wissens der Gestaltung und bieten so einen interdisziplinären Überblick zum aktuellen Forschungsstand des Themenfelds.

Im Zuge der Globalisierung ist sich die Welt näher gekommen, manchmal etwas zu nah. Nicht nur beuten reiche Ländern ärmere nach wie vor hemmungslos aus, auch haben sie manche Regionen durch den Import merkantiler Beliebigkeit ihrer Eigenheiten beraubt. Wer heute nach Saigon fährt, könnte auch in Hong Kong oder Kuala Lumpur sein. Der Café bei Starbucks schmeckt gleich, die Hemden bei Zara sind die selben. Wenn man sich die Geschichten dieses Heftes anschaut, die die Reporter in aller Welt erlebt haben, könnte man meinen, dass sich die Verschiedenheit auch nationaler Identitäten eher in den Nächten zeigen. Die Art, wie die Menschen in den Favelas von Rio Musik machen und tanzen, wird man nirgendwo sonst auf der Welt finden. Die Lust am bierseligen Handgemenge, die man in einer nordirischen Kneipe spürt und den Stoizismus der Obdachlosen auf den Straßen Moskaus auch nicht.

Die kreative Welt von Kostas Murkudis: Dieser Bildband über einen der interessantesten Modedesigner unserer Zeit ist ein Must-have für alle Mode und Kunstbegeisterten. Kostas Murkudis wuchs als Sohn griechischer Eltern in Dresden auf. Auf sein Modedesign-Studium in Berlin folgte eine lange, intensive Zusammenarbeit mit Helmut Lang. 1994 gewann er den Philip-Morris Design Award und gründete sein eigenes Modelabel „Kostas Murkudis“. Dieses Buch zeigt 30 Jahre seiner Kreativität und lädt den Leser erstmals zu einem möglichst nahen Blick auf seinen künstlerischen Ansatz ein. Bildessays stellen spezielle Aspekte seiner Arbeit wie Farbe, Material oder Form in den Fokus. Fotografien aus Kostas Murkudis Lookbooks, den Fashion Shows und Recherchematerial machen dieses Buch zusammen mit einem ausführlichen Interview zu einem unschätzbaren Quell über diesen faszinierenden Designer. Abgerundet wird der Band durch persönliche Beiträge von renommierten Weggefährten wie Helmut Lang, Olivier Zahm, DJ Hell, Jodie Barnes oder Mark Borthwick.

Structured like a cine-novel, this book uses numerous stills from Die Insel as a visual backbone, into which are inserted three newly commissioned texts: Dangerous as hell, having that camera on: A conversation about changing the world and saving a cockroach
 – Fucking Good Art (Nienke Terpsma & Rob Hamelijnck) Drawing upon their own collaborative and conversation-driven practice, they discuss with Van Lieshout the way that he works together with his partner, with his editor and with the protagonists of his films, to make artworks that are simultaneously generous and egocentric. I am a genius (Adrian Searle) Locating Van Lieshout’s practice at the intersection between art and life, The Guardian’s art critic Adrian Searle contemplates the artist’s ambition and its (at times catastrophic) collision with reality. In Praise of Folly, or the Possibility of an Island (Zoë Gray) Examining his apparently contradictory desire to be politically engaged and to withdraw from society into the pure autonomy of art, Gray’s essay considers Van Lieshout as a satirist, unpacking his humorous exploration of weighty, often controversial topics.

Besides providing botanical contents in a simple, personal and cozy way; The Plant offers plant lovers a new look at greenery by featuring the works of many creative people who share our love for plants. As a curious observer of ordinary plants and other greenery, the magazine presents a monograph on a specific plant; bringing together photographers, illustrators, designers, musicians, writers and visual artists, both established and emerging, from all over the world. These people share with The Plant their unique perceptions and experiences of plants.

170 ✕ 240mm 1 Colour Offset 56 pages + jacket Numbered Edition of 1000 Published 2012 (Duke Press)

Debut short-form comics publication by Dutch illustrator Viktor Hachmang. Book of Void deals with the romantic notion of destroying precious artworks and aims to explore its inherent logic – what is it like to live in a world ruled by fear in which a static work of art can become a harmful incomprehensible “Thing” that must be destroyed? Book of Void is a fictionalized account of two subsequent slashings of monumental minimal artworks at the Stedelijk Museum and takes cues from The Book of Five Rings, Miyamoto Musashi’s classic handbook of samurai swordsmanship and philosophy. Book of Void poses the question if such acts of violence are truly pointless, or do they possess an innate spiritual beauty?

The book features a historical reference on housing needs by Lucius Burckhardt, a philosophy on contemporary machinic capitalism by Gerald Raunig, an essay on gender questions in the sharing economy by Brigitte Theißl, an analytical text on Airbnb’s photo policy and how it affects our everyday life by åyr. It also brings together a set of polemic theses by its editor Christian Berkes, an agonistic panel talk held at Swiss Institute in NYC, which was organized by the London based art collective åyr, and a hyper positivist pamphlet for sharism by Isaac Mao. The text that lent its main title to this publication rounds up this multi-perspective critique of the sharing economy and leads over into a lavishly illustrated Xerox Collection with hidden jokes, self-dissolving associations, and a beautiful form of early interior photography. Welcome Home.