Der Katalog zeigt eine sehr persönliche Begegnung des Malers Neo Rauch mit den Arbeiten seines Vaters und Künstlers Hanno Rauch, den er schon sehr früh bei einem tragischen Zugunglück verlor. Hanno Rauch begann 1959 an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig zu studieren. Während dieser Zeit zählte der Maler Hartwig Ebersbach zu seinem Kommilitonen und Freund. In dem Katalog werden Holzschnitte, Grafiken und Zeichnungen von Hanno Rauch präsentiert. Von Neo Rauch sind neben neuen Grafiken und Zeichnungen auch großformatige Malerei auf Papier und Leinwand abgebildet.

Kalligrafie des Nordens Naturstudien in Zeichen Anläßlich seines 80. Geburtstages erscheint erstmalig eine Monographie über das Werk des Malers und Grafikers Krister Follin. Die abgebildeten Werke entstammen dem Nachlass des Künstlers, der sich nach wie vor in privater Aufbewahrung in Glemmingebro befindet. Eine Vielzahl seiner Werke befinden sich unter anderem im Nationalmuseum Stockholm, der Kunstvereinigung Lundensias in Lund, der Universitätsbibliothek Lund, Göteborg Museum, Eskilstuna Museum, der Staatsbibliothek Malmö.

Wer heute immer noch von „Neuen Medien” spricht, berichtet von längst vergangenen Zeiten. Bereits 1996 stellte der Medientheoretiker Lev Manovich die “traditionelle bildende Kunst” der „Neuen Medien Kunst” gegenüber und prägte für diese Unterscheidung …

Das Berliner Gaslaternen-Freilichtmuseum befindet sich gleich am S-Bahnhof Tiergarten, an der Straße des 17. Juni Ecke Klopstockstraße: Es wurde 1978 gegründet, als der Großteil der Straßenbeleuchtung längst elektrisch funktionierte und die technisch wie ästhetisch altmodischen Modelle mehr und mehr aussortiert wurden. Etwa 90 Laternen sind entlang von Parkwegen permanent ausgestellt: die Modelle stammen aus den Jahren 1826 bis 1956 und aus insgesamt 36 Städten. Gleich außerhalb des Parks, die Straße des 17. Juni flankierend, sind zwei elektrische Straßenlaternen zu finden, die weder Teil einer Ausstellung sind noch irgendeine Art von Beschriftung aufweisen: die einen östlich, die anderen westlich der kreuzenden S-Bahn-Gleise. Ihnen ist diese Publikation gewidmet. Im Gründungsjahr des Freilichtmuseums, 1978, widmete der Religionsphilosoph Klaus Heinrich an der Freien Universität Berlin seine Vorlesung des Sommersemesters dem Thema des deutschen Klassizismus in der Architektur, oder genauer: der Willfährigkeit des Klassizismus zwischen Karl Friedrich Schinkel und Albert Speer. Sein Zitat bespricht die Speerlaterne, links. Einige Jahre früher, 1964, veröffentlichte der Verleger und Schriftsteller Wolf Jobst Siedler ein Buch mit dem Titel Die gemordete Stadt. Abgesang auf Putte und Straße, Platz und Baum. Sein Thema ist die Veränderung der Stadt Berlin und des Lebens in ihren Straßen. In Bild und Text beschwört Siedler ein “ursprüngliches”, kaiserzeitliches Berlin – und stellt dies polemisch einem gegenwärtigen, von Neuplanungen geprägten Berlin gegenüber. Sein Zitat bespricht die Peitschenlampe, rechts.

48 Seiten 17,5 × 24,8 cm 25 Abb., Offsetdruck Broschur deutsch ISBN 978-3-944903-26-2 Gestaltung: Kay Bachmann Text: Clemens Meyer

Elephant is a quarterly art culture magazine founded in 2009. We publish in March, June, September and December. Elephant is based in London and distributed in the UK, USA, The Netherlands, Canada, Germany, Sweden, Denmark, Japan, France, Belgium, Aust …

Mit Rudolf Steiner und die Kunst der Gegenwart greift der Ausstellungskatalog ein Phänomen auf, das bisher wenig Beachtung gefunden hat, aber zu einem der spannendsten Kapitel der modernen Kunst und Geistesgeschichte zählt: Haben bereits Wassily Kandinsky, Piet Mondrian oder Joseph Beuys aus der universellen Ideenwelt Rudolf Steiners Impulse für ihre Arbeit bezogen, so erhält diese Verbindung mit Beginn des 21. Jahrhunderts durch das wachsende Interesse von Gegenwartskünstlern am ‘Kosmos Rudolf Steiner’ eine neue Aktualität. Der Katalog präsentiert vielfältige künstlerische Positionen eingehend in zahlreichen farbigen Abbildungen, fundiert kommentiert durch Essays zur Kunst- und Wissenschaftsgeschichte.

This project has taken shape through extensive conversations/ dialogue and editing with Ruby Hoette. Engagement with broader implications and potential in relation to the fashion system as well as the activation of the design approach was made possible and has taken shape through conversations, in depth analysis and explorations with and by a diverse range of people. Through their willingness to explore and share work and thought processes the following contributors are an essential part of the project: Barbara Brownie, BLESS, Conny Groenewegen, Elisa van Joolen, Joke Robaard, Ruby Hoette, Students from the HKU (University of the Arts Utrecht) 2015/16 Graphic design: Hans Gremmen with Corine van der Wal Editing: Ruby Hoette Printing: Wilco, Amersfoort Edition: 1000 copies Translation: Jane Bemont (Text Joke Robaard) Nanne op ‘t Ende (Introduction, blurb, image archive and text Conny Groenewegen) Photography: Sanne van den Elzen (Studio photography Conny Groenewegen) Models: Rebekka from Max Models (Studio photography Conny Groenewegen) This research, publication and forms of activation and presentation have been kindly supported by: Creative Industries Fund NL, Kunstraad Groningen and the LeoXIII Gastatelier.

For two decades until his death in 2003, keyboard rock star Wesley Willis (*1963) rendered Chicago’s Dan Ryan Expressway and geometric skyline with ballpoint pen and felt-tip-marker lines. Known primarily to an alternative public for the uniquely singular sounds from his Technics KN 2000 and surreal texts which explored the themes of daily life such as fast food, bus lines, cultural trends or violent confrontations with super heroes, Wesley Willis’s drawings testify to the years he spent sitting in on drawing classes at the Illinois Institute of Technology, manifest in drafting techniques Willis never abandoned but, to singular effect, refused to master. A series of small untitled drawings in blue ink from the early 80s depict big rigs, tractor trailers, rolling stock, and transit-authority buses in side and isometric views. His sketches, often in color, explore almost obsessively the congested freeway which connects Chicago’s South Side with the city’s downtown – a metaphor for his wish to bridge the two worlds. At age of 28, Willis began to hear voices. He called then his “demons.” According to him writing, performing, and recording help quiet the voices in his head. Wesley Willis died on August 21, 2003 at age 40 in Skokie, Illinois. Delmes & Zander Cologne in Cologne first showed the work of Wesley Willis in Germany in 2013 and has represented the artist ever since.

Das HANT-Magazin ist eine Plattform für freie Fotokunst in Thüringen und sucht deine ungesehenen Fotografien…

Few of the sleeves showcased here are beautiful in the normal sense of the word. But they all have an urgency and an exhilarating disregard for design conventions that makes them exceptional. They are all clarion calls for independence and freedom from pop industry norms. The work in this book is culled from the record collections of designer (and Unit Editions co-founder) Tony Brook, and leading punk scholar Russ Bestley. As one of the world’s leading authorities on punk and post-punk music, Russ has contributed an insightful essay to the book. The book also features interviews with designer Malcolm Garrett, Mute founder Daniel Miller and Sniffin’ Glue editor and musician Mark Perry.

The winter issue of Aperture, “On Feminism,” arrives at a moment when the power and influence women hold on the world stage is irrefutable, and the very idea of gender is central to conversations about equality across the country, and around the globe. …

In Salto, fragments of daily life and stories are layered in a colourful mix of shapes.

Nach über 30 Jahren kehrte ARCH+ Chefredakteur Anh-Linh Ngo für dieses Heft erstmals in sein Geburtsland zurück. Jenes Land, das sich als Präfix eines Krieges in den Sprachgebrauch eingenistet hat. Jener Krieg, vor dessen politischen Folgen seine Familie floh, als er noch ein Kind war. Als Flüchtlingskind kam er vor 33 Jahren nach Deutschland, als „Kontingentflüchtling“, wie es damals im schönsten Bürokratendeutsch hieß. Über diese Wortschöpfung wären heute viele froh, sind doch (Ober-)Grenzen wieder en vogue. Angesichts der spürbaren Verschiebungen und Relativierungen, die die Globalisierung mit sich bringt, sehnen sich viele Menschen wieder nach festen Grenzen und klaren kulturellen Identitäten. Der gegenwärtige Auftrieb „identitärer Bewegungen“ ist ein Zeichen dafür. Wir leben in Zeiten, die bestimmt sind von Angst – Angst vor Überfremdung, vor dem Verlust der „eigenen“ Kultur. In diesem Kontext könnte man die beiden Ausgaben über Vietnam, von denen dies die erste ist, aus der individuellen Perspektive des Migranten als eine klischeehafte Suche nach den eigenen Wurzeln und aus politischer Sicht als Versuch einer lokalen Identitätskonstruktion missverstehen. Doch gerade vor dem Hintergrund der gegenwärtigen politischen Krise sind beide Hefte explizit als die Suche nach einem Ausweg aus den Kulturalisierungsfallen zu verstehen, die derzeit überall lauern. Um hier die Hauptaussage vorwegzunehmen: Identität ist kein Nullsummenspiel, bei dem sich das „Fremde“ und das „Eigene“ gegenseitig verdrängen. Die Entwurfsansätze der vorgestellten Büros entstehen in der Auseinandersetzung mit aktuellen sozialen Problemen und lokalen kulturellen Praktiken. Sie sind in ihren Ergebnissen spezifisch, ohne ihre universalen Grundprinzipien zu verleugnen. Auf der Suche nach einem zukunftsfähigen Weg wendet sich diese Avantgarde wieder heimischen Materialien, traditionellen Bauweisen und Typologien zu, um Alternativen zum Einsatz fehleranfälliger und teurer Technik anzubieten. Ihre Zeitgenossenschaft beziehen die präsentierten Projekte zum einen aus dem freien Umgang mit vorgefundenen Traditionen, zum anderen aus konkreten Alltagspraktiken. Doch auch internationale Einflüsse wie etwa von Anna Heringer, Diébédo Francis Kéré oder der japanischen Architektur werden herangezogen. Auf diese Weise verorten die Architekten ihre Entwürfe, ohne dabei kulturalistisch zu argumentieren; zugleich stellen sie sich in einen globalen Denkzusammenhang, ohne an spezifischer Ausdrucksweise zu verlieren. Genau daran wird das zweite Heft anknüpfen und die vietnamesische Architektur als Teil einer globalen Kultur diskutieren. Sich als Teil einer gemeinsamen Kultur zu begreifen heißt, sich voneinander anregen zu lassen, voneinander zu lernen. Was könnten wir von der vietnamesischen Architektur lernen? So viel sei schon einmal verraten: Die Einfachheit im Detail, um die Architektur wieder in den Mittelpunkt zu stellen.

The central motif for this book is the work of Merce Cunningham and the theoretical and emotional response by writers, artists, dancers and musicians to the milestones in his creative development, from 1944 to 1999. Born in Centralia, Washington in 1919, Merce Cunningham can be considered the founder of contemporary dance as “a moving image of life”. His innovations in the field of choreography and movement date back to the 1940s, when, after meeting John Cage, Cunningham proposed separating music from dance, then turned to a chance method involving a random montage of movements. His language harmonizes and meshes with the art of Rauschenberg, Johns, Warhol, Stella, Lichtenstein and Nauman. From the 1970s to the present, he has used film, video and computers, which continue to offer him new experimental possibilities.

Featuring: a trip to Andrea Zittel’s A-Z West homestead in Joshua Tree, Kembra Pfahler, Molly Goddard, Luis Venegas, Jessica Koslow, Duncan Hannah, Margaret Howell, Sébastien Meyer & Arnaud Vaillant, The house as a city, Jeanne Greenberg Rohatyn, JB Blunk, Fernando Arrabal, and Chloe Wise Plus: The kamara, a series of paintings from the Peloponnese coast by Jean-Philippe Delhomme, and Making meaning, a conversation with Susan Sellers, Andrew Zuckerman, and Sam Grawe