_Renaissance analoger Druckverfahren _Fundierter einführendender Überblick _Fokus auf die aktuelle Risographie-Szene _Mit umfangreicher Dokumentation risographischer Erzeugnisse Die Risographie, benannt nach der japanischen Firma Riso, ist ein Schablonendruckverfahren nach Art der Siebdrucktechnik, welches in der Übergangsphase vom mechanischen zum digitalen Drucken entwickelt wurde. Obwohl die Druckmaschine aussieht wie ein Kopiergerät, wird die Farbe ohne Anwendung von Hitze und Chemie auf das Papier gebracht, also energiesparend und ökologisch. Heute haben Grafiker und Designer aus der ganzen Welt den Risographen – und die entsprechenden Maschinen für ähnliche, schon fast vergessene Techniken wie die Mimeographie– für sich entdeckt und eine unerwartete Renaissance des analogen Druckens in Gang gesetzt. Auf eine sorgfältig recherchierte Einführung über Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft folgt ein Beitrag über wichtige Pioniere der aktuellen Risographie-Szene. Im Kapitel Risoworld werden besondere risographie-affine Verlage, Druckereien und Designstudios aus der ganzen Welt vorgestellt. Das Herzstück des Bandes sind wunderbare, ganz unterschiedliche Arbeiten wie Postkarten, Magazine, Poster, Flyer und experimentelle Druckerzeugnisse, die allesamt durch die Kraft der Farben der ganz eigenen Textur und vor allem der perfekt unperfekten Authentizität der Risographie begeistern.

leipzig, märz 2017

Haifisch’s idiosyncratic, episodic comic chronicles the experiences of a young artist in his formative years, satirising the exclusive, ephemeral and frequently absurd world of fine art. Plagued by doubts and anxiety, the artist is confronted with constant setbacks punctuated by occasional, surprising glimpses of recognition. The Artist was printed by offset lithography at DeckersSnoeck in Belgium.

This book is the first to document the remarkable history of the International Institute of Design (IID), an independent school of architecture founded and directed by Alvin Boyarsky from 1970 – 72, and highlights a pivotal episode in the career of Boyarsky, best known for his subsequent role as chairman of the Architectural Association (1971 – 90). Launched in the wake of the institutional upheavals that had swept schools of architecture during the late 1960s, the IID introduced an alternative model of architectural instruction: one that brought together a range of teaching methods, design strategies, theories and projects alongside an international assortment of protagonists. In Progress details this short-lived experiment through a trove of previously unpublished material, and reveals how three informal architectural gatherings, held over three successive summers, can be seen to have established not only a network of architects and discourses, but a new model for architectural education.

Disobedient Bodies: JW Anderson at The Hepworth Wakefield has been published alongside the exhibition of the same name, curated by JW Anderson and opening The Hepworth Wakefield in March 2017. The book – made in a close collaboration between Jonathan Anderson, Andrew Bonacina and OK-RM – acts as an alternative exhibition space in which the pairings and combinations that unfold within The Hepworth’s galleries come in to play with images from Anderson’s collaborative photographic projects with Jamie Hawkesworth. The book object comprises a series of interleaved sections amassing 142 pages and featuring works by Barbara Hepworth, Henry Moore, Constantin Brancusi, Eileen Gray, Sarah Lucas, Jean Paul Gaultier, Christian Dior, Helmut Lang and many more, alongside contributions from Anderson’s own collections.

Dieses Heft passt ja wohl voll in die Zeit, denn mehr Schlamassel, als er derzeit von durchgeknallten Regierungschefs wie Putin, Trump der Erdogan angerichtet wird, gibt´s ja kaum. Gleichzeitig kann sich ein Schlamassel auch wieder auflösen, weswegen unser Heft bei aller Zustandsbeschreibung auch Trost spendet, Lösungen sucht und z.B. der Frage nachgeht, wie wahrscheinlich ein Attentat auf Trump ist.

This illuminating new book tells the story of Doug Aitken's Station to Station project, a nomadic happening that crossed North America by train and continues to explore creativity in the modern landscape. Doug Aitken's Station to Station project is a high speed road trip through modern creativity. Over a 23-day period, the project crossed North America by train presenting a series of cultural interventions and site-specific happenings that took place in ten cities between New York and San Francisco. The train, designed as a moving, kinetic light sculpture, was at the center of it all, housing the constantly changing group of creative individuals and broadcasting experiences to a global audience. Over one hundred unique projects took place during the journey, created by today's leading contributors in contemporary art, music, literature, and culture. This volume presents the ideas that emerged from Station to Station. Stunning full-color illustrations and multiple conversations with Aitken onboard the train document the journey from East to West. In addition to 150 images, this book includes an introduction by Dean Kuipers and interviews with Beck, Bice Curiger, Scott Dadich, Dan Deacon, Olafur Eliasson, Urs Fischer, Liz Glynn, Carsten Holler, Thurston Moore, Giorgio Moroder, Ed Ruscha, Lawrence Weiner, and many more.

märz, 2017

Boxcar ist ein Foto-Magazin über Graffiti auf Güterzügen.

The Index Book bietet eine Übersicht zu Architektur und Produktdesign von Matteo Thun – von seinen frühesten Arbeiten bis heute, von A bis Z sortiert. Das Indexbuch fungiert dabei nicht als klassische Monografie, sondern als eine Art Röntgenaufnahme. Es durchleuchtet und analysiert die verschiedenen Niveaus und Schichten von Thuns Welt und bedient sich dazu emotionaler Bilder und Begriffe. Matteo Thun durch sein Werk verstehen, »vom Löffel zur Stadt«: von der Kaffeetasse bis zum Restaurant, vom Berghotel bis zur Armbanduhr, vom Kochtopf bis zur Villa in Alleinlage. Mit einer Vielzahl ausdrucksstarker Illustrationen, wie Plänen, Aquarellskizzen, Fotografien und Zeichnungen. Anhand von zentralen Themen wie Ökologie und Umwelt, Ökonomie und Ästhetik, Energiesparen und Luxus heute. Ein Leitmotiv von Matteo Thun ist dabei die Nachhaltigkeit. Und immer liegt seinen Arbeiten ein ganzheitlicher Ansatz zugrunde.

Die Polaroids waren Dash Snows “Eintritt” in die Kunstwelt und wurden der Legende nach von ihm gemacht, um Erlebnisse zu dokumentieren, an die er sich aufgrund seines Rauschzustandes sonst nicht erinnern könnte. Die sehr spontan wirkenden Aufnahmen zeigen skurrile Alltagsszenen, Partys, Drogenkonsum, sexuelle Anspielungen und sehr intime Portraits aus der Umgebung des Künstlers. In vielen Polaroids taucht der Künstler selbst auf und wird damit gleichzeitig zum Verwalter und Subjekt seiner Bilder.

TECHNOLOGIE UND DAS UNHEIMLICHE ● About ● Editions: Bunker / Dinosaurs / Enigma / Base Matters / Bunker Rev. / Reproductive / T+U Mini ● Book Fairs: It's a Book / I Never Read / Friends with Books / Toronto ● Sounds ● Imprint News T+U at Mzin / Technologie und das Unheimliche vol. IV. “Base Matters” release event 22. 03. 2017 / 19h Mzin Leipzig and T+U are pleased to invite you to the release ​event of the 4th edition of “Technologie und das Unheimliche” magazine, entitled “Base Matters”. The key topic of the issue reverberates the works of Georges Bataille, as well as the spirit of DOCUMENTS, his renowned surrealist art magazine. The new issue of T+U, that has been designed by Anna-Luise Lorrenz, presents essays, collages, photos, and artworks of international contributors focusing on the versatile aspects of Bataille's subversive and ambivalent materialism. A materialism that aims to irritate the hygienic and synthetic realm of pure reason by proclaiming the triumph of formlessness, baseness, and abjection. Presentations by T+U editors: Dan Jack Harvey, Krisztina Hunya and M​a​rk Fridvalszki Music by: Kilian Krings (S​ign Bit Zero​ / Z​ensor Tot​! ​Leben Geht Weiter.​) T+U at IT'S A BOOK 2017 Independent Publishing Fair 25. 03. 2017 / HGB (Wächterstasse 11, D-4107 Leipzig) 12h – 21h / Admission is free! From 22h after show party! T+U presents: T+U vol. IV. “Base Matters” release party and FKSE fundraising event 22.12.2016 / 6pm-5am / FKSE, 1077 Budapest, Rottenbiller st. 35 ■ Program: Annual Christmas Party: Æ (SK), Benzokai (EST), Nova Gravity (H), Jacques Kustod (SK), Palmovka (CZ), C-Kay (JPN), Zapphire (H) ■ Inaugural Meeting of the Hungarian Coprosophical Society with Absentology (Márk Horváth, Ádám Lovász), T+U (Zsolt Miklósvölgyi, Márió Z. Nemes) and Tamás Seregi ■ T+U vol. IV. “Base Matters” book launch ■ Peformance by Ábris Gryllus & Tamara Zsófia Vadas ■ !!! Final collapse will be guaranteed !!! ■ Event here… Technologie und das Unheimliche vol. IV. “Base Matters” “The process of becoming-soil is also the process of becoming bird, plant, crystal; it is also to become preparation, plastic or machine, since within our planetary conditions the formless vortex of technology and nature is the wild happening of the world. Such impure transformations are nevertheless production, processing and birth, for the process of creation is necessarily filthy, whilst, as Radomir Konstantinović argues in the spirit of Bataille’s legacy, only uniformity can be in- nocent.”

Fotografien aus den Jahren 2013 bis 2017 aufgenommen in verschiedenen Städten mit unterschiedlichen Fotoapparaten

In seinem Atelier legt Tillmans zur Übersicht Bilder auf langen Tischen aus, bevor sie an der Wand oder im Buch ihren Platz finden. Diese Arbeitsweise wird hier zum Konzept, das Buch zur Installation: In Manual ordnet er eigene Photographien, malerische Arbeiten und Texte sowie vorgefundene Zeitungsartikel zu einer assoziativen Gesamtschau an. Das Material verdichtet sich so zu einer komplexen künstlerischen Auseinandersetzung mit unterschiedlichen sozialen und politischen Themen, die der Künstler seit Jahren verfolgt. Tillmans schafft damit eine überzeugende Ergänzung zu seinen rein photographischen Arbeiten. Für Wolfgang Tillmans sind Installation und Präsentation seiner Arbeit ebenso wichtig wie die Arbeit selbst. Mit Manual assoziiert er ein “Handbuch” für die Erforschung der sichtbaren Welt. Es versteht sich aber auch als “Anleitung” zu Tillmans’ Oeuvre, als Kompendium, in dem der Künstler seine persönliche Sicht auf die eigene Arbeit vorstellt.

This exhibition catalog captures the striking pairings of Matisse’s paintings and drawings with iconic works by artists such as Marc Chagall, Paul Cézanne, Vincent van Gogh and Pablo Picasso. – See more at: http://www.stedelijk.nl/en/collection/publications#sthash.vVkMnnSe.dpuf

In den Zeichnungen und Grafiken von Maribel Mas treten die Interferenzen zufällig auf, an den Berührungspunkten der Linien. Unter Verwendung von Schablonen aus Papier kann die Künstlerin straffe Linien ziehen, die dann wie die Saiten eines Musikinstrumentes in Schwingung versetzt werden können. Tatsächlich haben die Wiederholungsmuster serieller Musik einen bemerkenswerten Einfluss auf ihre Arbeit, besonders die minimalistischen Kompositionen von Steve Reich und das Streben nach einer „phase music“, in der identische Klangphasen aufeinander gelegt werden mit minimalen Umstellungen. Mit einem ähnlichen Ansatz spielt die Künstlerin mit der Möglichkeit einer „phase drawing“. Dafür verwendet sie nur die einfachsten Materialien: Papier und Tusche. Das Papier, mehr als eine tragende Oberfläche, wird zum aktiven Element. Den einzigartigen Charakter eines nicht industriellen, nicht standarisierten Materials zu verstehen und entdecken war ein langsamer Prozess, ermöglicht durch die Zusammenarbeit mit Handwerksmeistern in Japan, die die verschiedenen von ihr verwendeten Papiersorten aus Ganpi-, Mitsumata- und Kouzofasern herstellen. In ihrer Barcelonaer Werkstatt und der Leipziger Spinnerei hat Maribel Mas an diversen Grafikprojekten mitgewirkt, in denen sie neue Möglichkeiten der Linie entdecken konnte. Ausgehend von diesen Erfahrungen mit Lithografie, Cliché verre und Photopolymer konzentriert sie ihr Werk auf sich wiederholenden Linien als konstruktives Element. Die Interferenzen, die auf natürliche Weise in einem Arbeitsverfahren ohne vorherige Skizzen entstehen, laden zum Nachdenken ein: über die Vielfältigkeit und Unbeständigkeit der Dinge – oder aber sie eröffnen einen Spielraum, in dem der Blick mit den Linien frei spielen kann. Die Zeichnerin und Lithografin Maribel Mas ist 1967 in Caracas geboren. Im Jahr 2000 ließ sie sich in Barcelona nieder, wo sie sich auf Lithografie spezialisierte und 2005 die Druckwerkstatt „Taller Esquina“ gründete. Heute arbeitet sie gemeinsam mit Museen und Kunsthochschulen an verschiedenen grafischen Projekten. Ihre Werke sind bereits in vielen Städten ausgestellt worden – Barcelona, Madrid, Paris, Osaka und Leipzig, wo sie seit 2015 lebt. Übersetzung: Margarita Borja Salazar und David Burnett, Leipzig. Fotografien: Uwe Walter, Berlin.