Das Bauhaus erlebte in Dessau zwischen 1925 bis 1932 eine äußerst produktive Phase, in der auch viele Bauten nach Plänen der Bauhäusler entstanden. In der Stadt gibt es neben den weltweit bekannten Objekten wie dem Bauhausgebäude oder den Meisterhäusern weitere Bauhausbauten zu entdecken, die mit ihren funktionalen, sozialen und ästhetischen Konzepten faszinieren und die ganze Fülle der Ideen am Bauhaus in dieser Zeit spiegeln. Das Buch gibt einen Überblick über das architektonische Werk, das das Bauhaus in Dessau hinterließ und

Photography is a peculiar medium, an idiosyncratic mix of strengths and weaknesses. It is extremely good at documenting our everyday reality, and yet it is only capable of capturing the mute surface of our world. It merely shows the external appearance of things, not their essence. This is a question of interpretation, a matter for the viewer’s discretion. To compensate for this failing, photographs are mostly presented in an explicit context, often with explanatory captions. Tillesen’s “superficial images” also document our everyday reality, in combination with titles that seem to offer an explanation of their content. But on closer examination it becomes clear that neither the photographs nor the captions are reliable. The book appears in conjunction with the solo exhibition Peter Tillessen — Superficial Images, Centre de la photographie Genève, 25, November 2016 to 22, January 2017.

Im Heft stecken erneut zwei Titelgeschichten: Eine erstreckt sich über gut 40 Seiten und behandelt die Volksbühne Berlin, das mutmaßlich „gefährlichste Theater der Welt“. Das Volksbühnen-Spezial beinhaltet (8-seitige) Interviews mit Noch-Intendant Frank Castorf und Regisseur René Pollesch, sowie Gespräche mit Leo Neumann vom Autonomen Gestaltungsbüro LSD Berlin und Schauspielerin Kathrin Angerer und außerdem drei Beiträge zum Thema von unseren Autoren/ Autorinnen Bonn Park, Lena Brasch & Juri Sternburg. Sämtliche Fotos für das Volksbühnen-Spezial stammen von William Minke, der für dieses Heft bereits u.a. Lilith Stangenberg & Haiyti fotografierte. Für unsere zweite Titelgeschichte waren wir mal wieder in Wien unterwegs, wo wir in einem Hotel Bilderbuch-Sänger Maurice Ernst für ein 10-seitiges Interview trafen. Die Fotos dazu schoß Lukas Gansterer im Volkstheater Wien. Darüber hinaus im neuen Wetter: Joy Denalane, Candelilla, Philipp Winkler, Fatma Aydemir, Kreator, Karies, eine Bildstrecke von Jenny Schäfer und eine Volksliedkolumne von Hops Holzmann. »Das Wetter« verbindet Zeitgeist mit Zeitlosigkeit, sowie Diskurs-Punk mit Straßenrap, Pop mit Literatur und ein stilvolles Design mit qualitativ hochwertigen Texten, Fotos und Illustrationen.

Die Radikale Architektur der kleinen Zeitschriften 196X-197X Interview-Marathon mit Rem Koolhaas und Hans Ulrich Obrist

“Ur-Geräusch” (Primal Sound) is the title of an essay by Rainer Maria Rilke, which was published in 1919 and subsequently lent its name to the exhibition by Carsten Nicolai that was mounted last year at the Kunstverein Braunschweig. In the text Rilke wrote about the phonograph, which was invented almost 140 years ago as a precursor of the record player and was the first device capable of reproducing sound. Paralleling this technical innovation, Nicolai finds visual forms for the recording and playback of sound waves. For his installation at the Kunstverein Braunschweig he had Jule Böwe narrate Rilke’s “Primal Sound”. In the artist’s book he contrasts the envelope curve — the visualized image of her voice — with the printed text. Pictures of his installations are tucked away as a “hidden track” on the inside of the Japanese binding.

Enamoured of decorative ornament, posing a challenge to all-powerful modernism, and drawing inspiration from the realm of architecture, the provocative designs of Italian group Memphis (1981–1988) caused something of a stir. Less Is a Bore: Reflections on Memphis contextualizes the creative universe of the designers around Ettore Sottsass in relation to the works of artists Raymond Barion, Eva Berendes, Barbara Kasten, Graham Little, and Tobias Rehberger. The book outlines their shared stylistic history in design and art, which has been given impetus by the phenomena of mass culture as well as by fashion and the history of culture and is reflected in an obsessive enthusiasm for the expressive possibilities of surfaces. The book classifies Memphis in the context of the design, art, and pop culture of the 20th and 21st centuries. The Book is published in conjunction with the exhibition of the same name at KAI 10 | Arthena Foundation Dusseldorf (29 October 2016 – 11 February 2017).

For his first book, “PRESETS – DIGITAL SHORTCUTS TO SOUND”, Stefan Goldmann has talked to industry leaders, programmers, producers, musicians and fine artists to collect a comprehensive description of the world of preset audio: from synthesis to sample libraries, from instrument emulations and gear cloning to automated composition and performance – short cuts in electronic music, classical and traditional musics, guitar rock & fine arts are covered. Disruptive gear and iconic presets, their background and impact – from Korg’s M1, Yamaha’s DX7 and Roland’s 909 to Ableton Live, Native Instruments Reaktor, Sidechain compression and Auto-Tune – are discussed with unprecedented depth and clarity.

Chris Kraus, eine gescheiterte Künstlerin, die unaufhaltsam auf die 40 zugeht, lernt durch ihren Ehemann den akademischen Cowboy Dick kennen. Dick wird zu ihrer Obsession. Völlig überwältigt von ihren Gefühlen schreibt sie zunächst eine Erzählung über ihr erstes Treffen, dann verfasst sie Briefe, die sie nicht abschickt, und auch Sylvère, ihr Mann, wird Teil dieses Konzept-Dreiers. Mal schreiben beide Dick gemeinsam, mal einzeln, doch während Sylvère irgendwann sein Interesse wieder verliert, verstrickt sich Chris immer mehr in die Abgründe ihrer eigenen Begierde. Chris Kraus hebt in ihrem mittlerweile in mehr als ein Dutzend Sprachen übersetzten und als Amazon-Serie verfilmten Roman die Grenzen zwischen Fiktion, Essay und Tagebuch auf und schuf damit gegen Ende des 20. Jahrhunderts ein völlig neues Genre. Was die Autorin selbst als »Bekenntnis- Literatur« und »Phänomenologie der einsamen Mädchen« bezeichnet, ist weit mehr als das : Es ist der letzte große feministische Roman des 20. und der erste große Liebesroman des 21. Jahrhunderts.

The magazine contains 48 pages with over 200 peel-off stickers and digests works from over 30 artist committed to illustration, medial art, graffitti, concept art and guerilla propaganda.

Dies ist die erste ausführliche Darstellung von Geschichte, Einflüssen und Wirkungen der ‘Werkstatt für Photographie’, die 1976 vom Berliner Fotografen Michael Schmidt an der Volkshochschule Kreuzberg gegründet wurde. In jenen Jahren entstanden in Westdeutschland Strukturen, die der Emanzipation der Fotografie als Kunstform den Weg ebnen sollten. Dazu gehörten neben der documenta 6 (1977) die ersten Fotogalerien und Fotografie-Magazine wie auch einige bahnbrechende Ausstellungen. Eine zentrale Rolle in dieser Entwicklung spielten die Städte Berlin, Hannover und Essen. Zu jener Zeit durchlief das Medium Fotografie einen grundlegenden Wandel, es entwickelte sich eine eigenständige Form künstlerischer Autorschaft im Bereich des Dokumentarischen. Aus verschiedenen Perspektiven erzählt diese Publikation die Geschichte der deutschen Fotografie der 1970er- und 80er-Jahre mit ihren internationalen Bezügen, ihre Protagonisten und Netzwerken und fügt ihr ein weiteres, bisher in der Geschichtsschreibung wenig beachtetes Kapitel hinzu.

Der reich bebilderte Katalog zeigt realisierte und unsichtbare Projekte des deutschen Designers Stefan Diez und veranschaulicht die damit verbundenen Prozesse in Photos und Skizzen. Diez gehört zur ersten Generation deutscher Designer, die handwerkliche Techniken und digitale Werkzeuge wie selbstverständlich miteinander kombinieren. Dabei konzentriert er sich mehr auf die Entwurfs- und Entwicklungsprozesse seiner Projekte als auf ihre endgültige Form. Essays und Interviews sowie ein umfassendes Werkverzeichnis ergänzen den Überblick. ***** The practice of German designer Stefan Diez is characterized by innovation through technical expertise, instinct and a passion for experimentation. Full House, a comprehensive compilation of his multifaceted body of work, portrays his studio?s distinctive methodology and development processes and delivers first-hand insight into the state of industrial design today, complemented by a collection of essays and interviews exploring some of the most pressing and controversial issues in the field.

Zaha Hadid is widely regarded as a pioneering and visionary architect whose contribution to the world of architecture cannot be overstated. She was also an accomplished artist and highly skilled calligrapher, influenced by Malevich, Tatlin and Rodchenko. The catalogue presents a large selection of her rarely seen paintings, drawings – including calligraphy drawings which would later be transformed into architecture – and her visionary digital visual work, all of which echo the lightness and weightlessness of her building

Looking at the outside of things such as architecture, anatomy, or vehicles does not usually reveal much about their internal structures and functions. To learn more, we need to see inside them. Look Inside features infographics that cut up or take apart their subjects and make them transparent. The resulting cross sections and interior views present precise detail in multiple layers. Look Inside starts with a discussion of Arnhem Land, the earliest known cutaway illustrations, showing that even 28,000 years ago, humans had a fascination with how things internally work: the processes that are hidden from the human eye. Including work from both centuries past and the cutting-edge present, Look Inside is an unparalleled compendium of cutaway techniques and their wide-ranging applications. Works from Jewish-German physician Fritz Kahn’s imagine the human body as a mechanized factory; Kahn’s visual metaphors show conveyor belts and offices instead of veins and valves. Exploded images of classic sports cars allows Fabian Oefner to show every piece of the automotive puzzle from the body shell to individual tiny screws. Richard Orr’s scientific pieces represent the natural world and continue in the genre’s traditional thread of handmade illustrations; whether a beaver lodge or an arctic circle landscape, Orr presents a vivid natural world or layers and scientific hierarchies. The luxurious collection within Look Inside was curated by renowned information designers and creative directors, Samuel and Juan Velasco. The Velasco brothers have provided invaluable and inspirational insight in the history and theory of cutaway illustrations and visual storytelling. Juan Velasco worked as Art Director at National Geographic for many years, has won multiple awards from the Society of News Design and Malofiej, and has served as the Graphics Art Director at the New York Times. He is the founder and creative director of 5W Infographics, a company based in Madrid, New York, and Washington, D.C. A detailed portrait of the information designer can be found in Gestalten’s A Life in Illustration. Samuel Velasco is an original founder of the daily newspaper El Mundo, the second largest daily newspaper in Spain. After solidifying the role of El Mundo within the European infographics rise, he relocated to the US and became a graphic designer at Fortune magazine. He is now the creative director at 5W Infographics.

Am 3.12.1935 vermerkte Bruno Taut in seinem Tagebuch, das er während seines Exils in Japan in seinem kleinen Wohnhaus am Shorinzan-Tempel in Takasaki führte, auf Seite 771: „Die Ahornblätter sind verwelkt. Gestern trieb sie der Wind zu mir ins Haus. – … – – Nun begann ich mit meiner großen Arbeit über Architektur: „Überlegungen“. Ich schreibe es nur für mich; sollte ich bald sterben, so mag es mein Nachlaß sein. Fertig: „Was ist Architektur?“, “Architektur und Gesellschaft“. Es ist selten schwer, aber auch selten befriedigend. Auch Selbstkritik, Feststellung von Verirrungen, auch eigenen. Wenn ich überlege: wie ganz anders wäre mein Leben verlaufen, wenn ich vor 15 Jahren so gedacht hätte. Nachgedacht, wie heute! Doch daß ich damals gerade so dachte, brachte alle praktischen Erfahrungen, Reisen, Studien mit sich und in großartiger Logik mein heutiges Denken. Ich bin dankbar. Wie leicht wiegt dagegen der allzunatürliche leise Heiminstinkt. – Dies ist jetzt meine eigentliche Arbeit, langsam, mit Bedacht. Die Arbeit sonst wird dagegen zum Spiel nebenbei.“ Als Bruno Taut diesen Eintrag schrieb, hat er gerade die Arbeit an seinem Buch „Das japanische Haus und sein Leben“ unterbrochen, um sich seinem neuen Projekt, den „Architekturüberlegungen“ zu widmen. Obwohl er während seiner Laufbahn als praktizierender Architekt in Berlin bereits zahlreiche Bücher veröffentlicht hatte, nimmt er sich nun endlich die Freiheit, in einer zusammenhängenden Argumentation grundsätzlich über Architektur zu reflektieren. In seine „Überlegungen“ fließen die „praktischen Erfahrungen, Reisen, Studien“ mit hinein, die er im Laufe der letzten zehn Jahre in Deutschland, in der Sowjetunion und in Japan gemacht hat. 1937 kam die Türkei-Erfahrung hinzu, als er seine „Überlegungen“ dann zu Vorlesungen, der „Architekturlehre“, ausarbeitete. (Zur Entstehungsgeschichte der „Architekturüberlegungen“ im Zusammenhang mit der „Architekturlehre“ siehe auch das ausführliche Nachwort des Herausgebers zur „Architekturlehre“ in: ARCH+ 194 „Bruno Taut. Architekturlehre“, Oktober 2009.) Taut, der erfolgreiche Architekt Berliner Siedlungen in der Weimarer Republik, war zum Ende des Jahres 1935, nach zweieinhalb Jahren Emigration in Japan, vom praktischen Bauen so gut wie abgeschnitten. Bauaufträge kamen über Entwurfsvorschläge nicht hinaus, durchführen konnte er schließlich einen Innenausbau, die Gesellschaftsräume der Hyuga Villa in Atami, und den Einbau von Schattendächern über den großen Fensteröffnungen der Villa Okura in Tokio (Architekt Gonkuro Kume), die er auch mit Möbeln ausstatten konnte. Seinen Lebensunterhalt verdiente er mit dem Entwurf von Gebrauchsgegenständen und Möbeln, die in der kleinen Stadt Takasaki, nordwestlich von Tokio, handwerklich hergestellt wurden. Seine freie Zeit widmete er ganz dem Studium japanischer Kultur. Im Auftrag von Verlagen schrieb er in dieser Zeit drei umfangreiche Bücher: 1933 „Nippon mit europäischen Augen gesehen“, 1934 „Japans Kunst mit europäischen Augen gesehen“ und 1935 „Das japanische Haus und sein Leben“. Das letztere Werk, das er im Dezember 1935 nahezu fertig geschrieben hatte, sollte durch eine eingehende Analyse die kulturellen und klimatischen Voraussetzungen für das Bauen und Leben der Menschen in Japan offenlegen, um so den in Japan praktizierenden Architekten eine Grundlage für ihre Arbeit zu bieten. In seinem japanischen Tagebuch notierte er immer wieder die Überzeugung: „Kunst als Qualität ist keine ästhetische Abstraktion, sondern die notwendige unentbehrliche Schaffung von Formen für das anständige Zusammenleben der Menschen. Je reiner und je direkter, freier von offiziellen Illusionen, umso höher die Qualität.“ (6.7.1934) Diese Einsicht ist vor allem auch angesichts der Entwicklungen im nationalsozialistischen Deutschland wie in der stalinistischen Sowjetunion zu verstehen. In der japanischen Kultur, vor allem im Wohnhaus und seinem Garten, sah Taut eine form-vollendete Beziehung zum Klima und zur Natur verwirklicht – eine Form, welche durchaus als zeitgemäßes Vorbild für die moderne Architektur dienen konnte.

Very Nearly Almost is a UK-based independent magazine printed quarterly which features interviews with some of the world’s best urban artists, illustrators and photographers. Launched in 2006, VNA tracks everything from the wheatpastes, paint and stencils out there on the streets through to gallery shows and events that bring together artists from around the world. Each issue brings you in-depth feature articles and interviews with the biggest names on the scene, as well as up and coming artists. Previous cover artists include Shepard Fairey, Retna, Invader, EINE, Sickboy, ROA, Insa, Anthony Lister, Conor Harrington, The London Police, D*Face, Faile, Swoon, Paul Insect, 3D, Kid Acne & Aryz. VNA gets up close and personal with the artists we cover – we document recent work, visit artists’ studios and provide sneak previews of new work. Everyone involved in VNA has a shared love of street art and the culture that’s grown up around it and we hope you enjoy reading it as much as we enjoy putting it together.

Détoured facsimile of a Marcel Broodthaers book. Charles Baudelaire’s phrase “I hate the movement which displaces the lines“ has been rephrased here to “I have the movement which displaces the lines“. bibliography: Charles Baudelaire, ”LA BEAUTÉ” in Fleurs du Mal (Paris, 1857) Marcel Broodthaers, CHARLES BAUDELAIRE. Je hais le mouvement qui déplace les lignes, (Hamburg: Edition Hossmann, 1973)