SLEEK dedicates issue 53 to The New Revolutionaries, the previously politically apathetic generation that is now waking up across the worlds of art and fashion. Dissecting the current generation are our art and fashion editors, Will Furtado and Jessica Hannan, seeing how these cultures respond during a time of deep uncertainty for the future. Additionally, we visit Juergen Teller at his home in Bavaria, where he talks about working with Charlotte Rampling and art in the age of Instagram. Elsewhere in the magazine, Grayson Perry talks about why men need to be feminists, and we have a conversation with Chris Kraus about failure and inventing Karl Ove Knausgaard. For our cover story, photographer Mark Rabadan and stylist Toby Grimditch join forces in a womenswear editorial entitled “Working 9-5”.

39NULL ist ein ideologisch und politisch unabhängiges Kultur- und Gesellschaftsmagazin, das nach Südtirol und weit über seine Grenzen hinaus blickt. Es erscheint einmal jährlich als fundiertes, mehrsprachiges Themenheft mit anspruchsvollen Inhalten und einem klaren Layout. 39NULL schaut hin, hört zu, stellt Fragen, kritisch, hellwach, zugewandt. Es will Aufmerksamkeit schärfen, informieren, ohne zu belehren, und komplexe Inhalte zugänglich und verständlich aufbereiten. 39NULL reflektiert den Zeitgeist, befragt Akteure des kulturellen Lebens, erzählt persönliche Geschichten und beleuchtet unterschiedliche Standpunkte.

In the summer of 2015 writer Roman Ehrlich and photographer Michael Disqué visited the German army base Camp Marmal in Mazar-e Sharif in Afghanistan. Their aim was to portray the life of the soldiers in the camp without falling back on the standard narratives of journalistic reportage. At the heart of the book are the structures that the soldiers have created for themselves and the interaction between the camp’s architecture and its inhabitants; the extreme artificiality of the living environment; and the civilian aspect of life there that extends throughout the camp in spite of it being a military organization. Derived from a term used to mean the battlefield, Theatre of War represents all the aspects of “staging” that determine warfare — depicted here first and foremost in its most banal form: the everyday life of the camp as seen in its offices, workshops, and accommodation areas, in its utility hubs and kitchens, as the war’s employees occupy their time waiting and contemplating.

Wir finden einen Künstler in malerischen Landschaften, Kunstinteressierte erkennen die Orte, an denen schon die bedeutendsten Maler der letzten Jahrhunderte gemalt haben. Dort, wo der Blaue Reiter, Monet oder Van Gogh gewirkt haben, steht Hank Schmidt in der Beek im karierten Hemd vor seiner Leinwand, die auf einer Staffelei ruht. Seine Hand hält den Pinsel, er malt. Jedoch erkennt man auf der Leinwand nicht die Motive, die die berühmten Vorgänger hier malten: Die Leinwand zeigt das selbe karierte Muster, das auch das Hemd des Malers ziert. Seit 2009 arbeitet Hank Schmidt in der Beek an der fortführenden Reihe „Und im Sommer tu ich malen“. Gemeinsam mit dem Fotografen Fabian Schubert reist er durch ganz Europa, um an den Wirkungsorten berühmter Maler seine Kleidung zu malen.

_Kontrolle aller Art von Bildern _Ästhetische Regeln von Zensur _Rezeption der Bildlichkeit _Buchlayout interpretiert zensierte Ästhetik _Mit einem Vorwort von Erik Spiekermann Diese Publikation der in Berlin ansässigen Autorin und Gestalterin Marion Kliesch wurde mit dem „Wilhelm Braun-Feldweg-Förderpreis für designkritische Texte 2016“ und dem „Förderpreis für junge Buchgestaltung“ der Stiftung Buchkunst ausgezeichnet. Bilder haben das Potential, Macht auszuüben, weswegen sie, früher wie heute, zurückgehalten und manipuliert werden. Die Gestalterin Marion Kliesch untersucht, wie Informationsunterdrückung bildhaft in Erscheinung tritt, also wie Bilder zensiert werden und was das für deren Rezeption bedeutet. Wie wirken diese Bilder und was lässt sich über ihre Ästhetik sagen? Und wie beeinflussen verdeckte, verpixelte oder unsichtbar gemachte Bilder unsere visuelle Wahrnehmung? Im ersten Teil des Buches wird die Vielschichtigkeit des Themas aufgefächert und beschrieben. Im zweiten Teil werden stichprobenartig verschiedene Fälle von visueller Zensur aus den Bereichen Zensur des Körpers, Zensur des Raumes und Zensur des Gedächtnisses analysiert. Die Beispiele spannen einen Bogen vom Verpixeln von Körperteilen über das regelrechte Verschwinden von Landesteilen auf Satellitenbildern bis hin zu Zugangsblockaden zum Wissen der Welt im Internet.

Reportagen, das unabhängige Magazin für erzählte Gegenwart. Herausragende Autorinnen und Autoren berichten in spannenden Reportagen aus dieser Welt. Vor Ort recherchiert, persönlich bei den Protagonisten und abseits der ausgetretenen Pfade. Jeden zweiten Monat neu.

No fashion, please! – die Verweigerung herkömmlicher Vorstellungen von Mode und Schönheit ist das zentrale Thema der 19 Einzelpräsentationen aus der internationalen zeitgenössischen Fotografieszene vorgestellt, die die fundamentale Beziehung zwischen Körper und (Be-)Kleidung, die Dialektik zwischen Form und Erscheinung des Körpers untersucht und hinterfragt. Die ausgewählten Künstler stehen in der Tradition der Körperkunst und arbeiten stark mit Querverweisen zu Installationen, Zeremonien und Ritualen.

AA Files is the Architectural Association School of Architecture’s journal of record and the successor to a long line of AA house journals (including titles such as AA Notes, AA Journal, Arena and AAQ) that began with the school’s founding in 1847. Launched in 1981 by the AA’s then chairman, Alvin Boyarsky, the journal appears twice a year and is sent out to members of the Architectural Association, individual subscribers and is distributed to a global network of bookshops. Since 2007 AA Files has been under the editorship of Thomas Weaver, the fourth of its editors, following Mary Wall, Mark Rappolt and David Terrien, who, with issue 57, initiated a redesign that saw the introduction of a new graphic design template, developed and still produced by the John Morgan studio, and a shift of focus in terms of its content towards more writerly models of scholarship, criticism and investigation, prompted not only by work, exhibitions and events from within the school, but by a rich and eclectic mix of architectural enquiry from all over the world.

At once radical, controversial and revered, Marina Abramovic (*1946 in Belgrade, Serbia) is one of the most discussed artists today. Famous for her groundbreaking performance works, she continues to expand the boundaries of art. The publication accompanying her first major retrospective in Europe gives an extensive overview of her work from the earliest years until today: film, photography, paintings and objects, installations and archival material. Since the early 1970s Marina Abramovic explores the intersection between performing and visual art in her work and, though rarely overtly political, poses questions of power and hierarchy. In addressing fundamental issues of our existence and seeking the core of notions like loss, memory, pain, endurance, and trust, she both provokes and moves us.

The publication Up Up—Stories of Johannesburg’s Highrises presents a selection of buildings in the inner city of Johannesburg. The focus lies on tall modernist towers that stood out at the time they were constructed. Witnesses to profound shifts in the political history of the metropolis, the buildings have gone through immense changes. They are documented in two distinct sections: One the one hand the formal architecture is presented with facts, floor plans, archival discoveries and contemporary images of the interior and the exterior. On the other hand each building is accompanied by a reportage or subjective essay on the inner workings of the building. Interviews with residents, research based texts on contemporary issues and independent contributions from invited writers, artists and photographers allow brief insights into the old and new lives of these towers.

This collection presents, for the first time in English, the best of Sasaki Maki’s work, mainly from alt-manga super magazine Garo. Drawn between 1967 and 1974, the fifteen stories here follow Sasaki’s groundbreaking exploration of collage methods in comics storytelling, weaving through references to R&B, rock ‘n’ roll, the Vietnam War, Andy Warhol, the Summer of Love, the Beatles, British humour, and the wacky world of Japanese consumerism. Ding Dong Circus demonstrates what manga fans already knew: that in Sasaki Maki, Japan can claim not only a pioneer in experimental comics, but one of the world’s masters of Pop Art and a trenchant avant-garde critic of the Sixties.

The Militant Image Reader versammelt acht sehr verschiedenartige Texte von TheoretikerInnen und KünstlerInnen aus Europa und Nordamerika, die über das gegenwärtige Verhältnis von künstlerischer Repräsentation und sozialen Veränderungen spekulieren. Die Publikation lässt sich auf das militante Bild ein, ohne es definieren zu wollen – möglicherweise vergänglich, flüchtig, flüsternd und am Rande der Sichtbarkeit zirkulierend, zeigt das militante Bild dennoch, dass neue Voraussetzungen der Bilder auf die radikal ungleichen Voraussetzungen der Gegenwart reagieren müssen.

In »Dialogues« führt die in Brüssel lebende deutsche Künstlerin Stephanie Kiwitt zum ersten Mal verschiedene Arbeiten der letzten Jahre, die sie in Form von Publikationen und Ausstellungsprojekten realisiert hat, in einem gemeinsamen Kontext zusammen. Neue Anschlüsse von Bild zu Bild entstehen, die es so nie gegeben hat, jedes neue Bild ist ein Sprung in der Zeit und im Raum, zwischen Belgien und Marseille, Prag und Gent … Oder handelt es sich eher um Kollisionen, denn um neue Anschlüsse? Anschnitte, Ausschnitte, Bilder, die über ihren Rand hinausreichen, die weiterführen, woanders hinführen – vielleicht in ein anderes Bild hinein? In besonderer Weise gelingt es Stephanie Kiwitt, ihre Bilder, Serien und Bücher an einer Grenze anzusiedeln, an der eine Beschreibung etwas eröffnet und ermöglicht, anstatt es auszuformulieren und abzuschließen, eine Grenze, an der die Bilder etwas zur Verfügung stellen anstatt es zu demonstrieren. Diese Öffnung ereignet sich nicht ohne zutun, sie muss in Gang gesetzt werden – durch Bilder, die nicht zufällig entstehen und auch nicht beiläufig, die aber nicht so tun, als wüssten sie es immer schon besser, Bilder, denen eine Zurückhaltung eigen ist, durch die sie einen Dialog eröffnen, sowohl zwischen den Bildern selbst als auch mit ihren BetrachterInnen.

_Renaissance analoger Druckverfahren _Fundierter einführendender Überblick _Fokus auf die aktuelle Risographie-Szene _Mit umfangreicher Dokumentation risographischer Erzeugnisse Die Risographie, benannt nach der japanischen Firma Riso, ist ein Schablonendruckverfahren nach Art der Siebdrucktechnik, welches in der Übergangsphase vom mechanischen zum digitalen Drucken entwickelt wurde. Obwohl die Druckmaschine aussieht wie ein Kopiergerät, wird die Farbe ohne Anwendung von Hitze und Chemie auf das Papier gebracht, also energiesparend und ökologisch. Heute haben Grafiker und Designer aus der ganzen Welt den Risographen – und die entsprechenden Maschinen für ähnliche, schon fast vergessene Techniken wie die Mimeographie– für sich entdeckt und eine unerwartete Renaissance des analogen Druckens in Gang gesetzt. Auf eine sorgfältig recherchierte Einführung über Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft folgt ein Beitrag über wichtige Pioniere der aktuellen Risographie-Szene. Im Kapitel Risoworld werden besondere risographie-affine Verlage, Druckereien und Designstudios aus der ganzen Welt vorgestellt. Das Herzstück des Bandes sind wunderbare, ganz unterschiedliche Arbeiten wie Postkarten, Magazine, Poster, Flyer und experimentelle Druckerzeugnisse, die allesamt durch die Kraft der Farben der ganz eigenen Textur und vor allem der perfekt unperfekten Authentizität der Risographie begeistern.

leipzig, märz 2017