mit Texten von Jan Brandt, Roman Ehrlich, Hanna Lemke, Nils Markwardt und Dominikus Müller Die erste umfassende Publikation der in Berlin lebenden Lena Inken Schaefer (*1982) präsentiert Arbeiten die seit 2007 entstanden sind. Ihre Objekte, Installationen und Aktionen ermöglichen eine Wahrnehmung, die von Geheimnissen und assoziativen Kontexten durchdrungen ist: Sei es die Ornamentik der abgewerteten Inflations-Banknoten aus dem Jahr 1922, eine Museumsvitrine, die sich selbst zur Schau stellt oder ein Paar Pyjamas, die mit Johanniskraut eingefärbt wurden, in den Werken von Lena Inken Schaefer werden Bedeutungsmuster zerlegt und nach einem neuen Schema wieder zusammengeführt, zweckentfremdet sowie mit frischen Analogien bereichert. „Am Ende präsentiert sich die Kunst von Schaefer (inklusive ihrer Rolle als Künstlerin selbst) als ein System, das Teil dessen ist, was es organisiert und damit aussagen möchte. So wie sich hier die einzelnen Werkgruppen verknüpfen, wie es eine Art unterliegende Thematik zu geben scheint, entkoppeln die einzelnen Elemente sich wieder – just in dem Moment, in dem sie sich allzu ‚ähnlich’ geben.“ (Dominikus Müller)

Imagine how future archaeologists will discover countless things we have thrown away: plastic and metal objects, discarded electronics, synthetic textiles, and other items that do not easily decompose; the leftovers of an age of rampant, imperishable objects. Today, in an economic system that revolves around producing and consuming such things, we now face how to deal with them in the challenges that lie ahead. The intrinsic design ideologies of sustainability and social responsibility are often not new. This book presents a history of socially committed design strategies within the Western tradition, from William Morris to Victor Papanek, and from VKhUTEMAS to FabLab.

Hippie Modernism examines the art, architecture and design of the counterculture of the 1960s and early 1970s. The catalogue surveys the radical experiments that challenged societal norms while proposing new kinds of technological, ecological and political utopia. It includes the counter-design proposals of Victor Papanek and the anti-design polemics of Global Tools; the radical architectural visions of Archigram, Superstudio, Haus-Rucker-Co and ONYX; the installations of Ken Isaacs, Joan Hills, Mark Boyle, Hélio Oiticica and Neville D'Almeida; the experimental films of Jordan Belson, Bruce Conner and John Whitney; posters and prints by Emory Douglas, Corita Kent and Victor Moscoso; documentation of performances by the Diggers and the Cockettes; publications such as Oz and The Whole Earth Catalog; books by Marshall McLuhan and Buckminster Fuller; and much more. While the turbulent social history of the 1960s is well known, its cultural production remains comparatively under-examined. In this substantial volume, scholars explore a range of practices such as radical architectural and anti-design movements emerging in Europe and North America; the print revolution in the graphic design of books, posters and magazines; and new forms of cultural practice that merged street theater and radical politics. Through a profusion of illustrations, interviews with figures including Gerd Stern and Michael Callahan of USCO, Gunther Zamp Kelp of Haus-Rucker-Co, Ken Isaacs, Ron Williams and Woody Rainey of ONYX, Franco Raggi of Global Tools, Tony Martin, Clark Richert and Richard Kallweit of Drop City, and new scholarly writings, this book explores the conjunction of the countercultural ethos and the modernist desire to fuse art and life.

Alle Titel werden in chronologischer Reihenfolge vorgestellt. Neben Fotomontagen und Buchumschlägen, Broschüren, Titelseiten sowie anderen Druckerzeugnissen beinhaltet ein gesondertes Kapitel mindestens zwei Drittel der mit Fotomontagen Heartfields gedruckten Hefte der Arbeiter Illustrierten Zeitung (AIZ) und der Volks-Illustrierten (VI).  Die einzelnen Arbeiten sind bibliografisch erfasst und mit Erläuterungen versehen. Letztere befassen sich etwa mit dem jeweiligen Entstehungskontext, dem Wiederaufgreifen und Weiterentwickeln von Tendenzen und Motiven innerhalb seines Werkes, den Quellen der verwendeten Fotografien, dem Verhältnis zu anderen Strömungen der Grafikgestaltung und nicht zuletzt dem Zusammenspiel von Umschlaggestaltung und Text. Dabei wird sowohl auf die breit rezipierten Standardwerke und Bibliografien als auch auf weitere Forschungsliteratur zurückgegriffen.

Our first issue “Mut”! Contributors: #marthaburger #jetteartz@eric.reh @sophie.artz @tina.steinbach@ruo_han_wang @milenabassen

FORMS OF FORMALISM ist eine Plattform die fotografische Arbeiten und schriftliche Beiträge um den Begriff des Forms sammelt. Die dritte Ausgabe enthält Fotoserien von Bas Princen, Mishka Henner und Maxime Guyon sowie Essays von Parasite 2.0, Moritz Ahlert und Bethan Hughes.   »What is formalism? The countless facets of such a notion keep us inquiring into its nature and possible manifestations. One may assume it is about conception or examination through aesthetic composition, whereas shape and structure — overall technical features — prioritise the medium over content and context. However, since the outset, we’ve been arguing and reflecting on what could represent a meaningful compendium of images and texts under the name of formalism. […] In the grey area between form and meaning, we further this inquiry with the hope of collecting and supplying significant points of view.« (Einleitung von Louis De Belle)

Text: Carsten Tabel Gestaltung: Simone Vollenweider, Pierre Pané-Farré 80 Seiten, Hardcover 60 Abbildungen 29,5 x 37,5 cm deutsch / englisch 978-3-944903-25-5

Deux fois par ans, Initiales, revue produite et éditée par l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts (ENSBA) de Lyon, esquisse les contours d’une galerie de « portraits en creux » en s’organisant autour de « figures-source », existantes ou fictives. Des figures d’artistes, philosophes, écrivains, architectes ou cinéastes dont le dénominateur commun est qu’elles ont « fait école » dans leur discipline et au-delà, dans les champs qu’elles ont investis ou traversés. L’œuvre, la pensée mais plus encore les méthodes déployées, les pistes explorées (et parfois avortées) ou les réseaux créés par cette figure de référence servent de sous-texte ou de script à chacune des livraisons. Réunissant, à partir d’une même figure, une série de contributions centrifuges, Initiales met ainsi en jeu un usage de la source et une expérience du temps qui ne sont ni ceux de l’historien ni ceux du scientifique, mais qui sont à l’œuvre dans le travail de l’art et qui sont au cœur de la réflexion menée depuis 2004 par le groupe de recherche ACTH (Art contemporain et temps de l’histoire) de l’ENSBA Lyon. Revue de recherche et de création, Initiales fait le pari qu’une école d’art est aujourd’hui l’un des lieux les plus aptes à produire et organiser des formes et des pensées nouvelles, susceptibles de venir nourrir le débat et élargir le champ de l’art et de la pensée. A cet égard, c’est une revue d’école, mais dans l’exacte mesure où l’école est un lieu de passage, de rencontre et de collaboration avec de multiples acteurs qui lui sont aussi extérieurs. Initiales rejoue ainsi en son sein l’hospitalité essentielle et féconde des écoles d’art et s’adresse aussi bien au champ de l’art contemporain et de la création d’aujourd’hui qu’au monde de l’enseignement et de la recherche – et plus largement à toute personne curieuse des opérations à l’œuvre dans la création, la pensée et la culture. Directeur de la publication et de la rédaction : Emmanuel Tibloux ; rédactrice en chef : Claire Moulène. Designer, sculpteur et peintre, Nathalie du Pasquier (née à Bordeaux en 1957) fut l’une des femmes du groupe Memphis qui, au début des années 1980, su faire bouger, autour d’Ettore Sottssas, les lignes du bon goût et les frontières de la société de consommation. Installée depuis à Milan depuis 1979, Nathalie du Pasquier a par la suite repris une intense pratique d’atelier et entretenu des rapports de bon voisinage avec ces objets du quotidien qui ont fait sa fortune pendant l’ère Memphis, et bien après, dans ses toiles aux compositions minimales ou ses modules géométriques. Cette capacité à circuler entre les formes et les pratiques, jusqu’à la « redécouverte » récente de son travail dans le champ de la mode qui a fait appel à ses services au milieu des années 2000 pour redessiner des motifs post-Memphis, est sans doute ce qui caractérise le mieux cette artiste atypique née en 1957. Et explique sans doute pourquoi son travail, jusqu’à récemment encore, semblait voué à une certaine marginalité.

This dynamic counter movement churned out heaps of photocopied, hand stapled fanzines that expressed ideas, music and works of art. Some became professional magazines. By creating its own press, the punk movement secured its place and its voice in the history of 20th century art and culture. The book Punk Press compiles the stunning graphics created by these publications, spanning from the East Village, to East London, to the Left Bank, featuring multiple collages, cutouts and handcrafted typography, standing as a visual tour through one of music’s most influential movements.

Die moderne Welt ist alles auf einmal – aufregend, kompliziert, albern, verwirrend und mühsam, aber auch stets im Wandel und immer faszinierend. Mit seinem einzigartigen Blick beobachtet der französische Künstler Jean Jullien den Alltag sehr genau und deckt so die Komik und die schlichte Schönheit auf, die in den Menschen, den Orten und den Dingen seiner Umgebung stecken. Sein spielerisch-plakativer Zeichen- und Malstil hat ihm unterschiedlichste Auftraggeber beschert und begeistert die Fans seines humorvollen und respektlosen Feingefühls in aller Welt. Neben diesem erfolgreichen Œuvre formuliert Jullien in herrlich kreativen Postings auf seinem äußerst populären Instagram-Account täglich seine flüchtigen Gedanken zur Zeit – ob als Mini-Kunstobjekte, als „gefundene“ und mit lustigen Kritzeleien aufgewertete Kunst oder als Zeichnungen aus dem Skizzenbuch. teNeues freut sich, mit Jean Jullien: Modern Life die erste Monografie dieses jungen und talentierten Künstlers zu präsentieren. Der französische Grafiker Jean Jullien stammt ursprünglich aus Nantes und lebt heute in London, wo er zwei Hochschulabschlüsse erwarb: 2008 am Central Saint Martins College of Art and Design und 2010 am Royal College of Art. Sein künstlerisches Interesse reicht von Illustrationen und Fotografien über Videos, Kostüme und Installationen bis hin zu Büchern, Plakaten und Kleidung, die er zu einem einheitlichen, aber vielseitigen Gesamtwerk verbindet.

One morning, Gregor Samsa wakes up to find himself transformed into a giant insect. His family is understandably perturbed and he finds himself an outsider in his own home. In ‘Metamorphosis’ and the other famous stories included here, Kafka explores the confusing nature of human experience with sly wit and compelling originality. With an introduction by Adam Thirlwell

Shocking, banned and the subject of obscenity trials, Henry Miller’s first novel Tropic of Cancer is one of the most scandalous and influential books of the twentieth century — new to Penguin Modern Classics with a cover by Tracey Emin Tropic of Cancer redefined the novel. Set in Paris in the 1930s, it features a starving American writer who lives a bohemian life among prostitutes, pimps, and artists. Banned in the US and the UK for more than thirty years because it was considered pornographic, Tropic of Cancer continued to be distributed in France and smuggled into other countries. When it was first published in the US in 1961, it led to more than 60 obscenity trials until a historic ruling by the Supreme Court defined it as a work of literature. Long hailed as a truly liberating book, daring and uncompromising, Tropic of Cancer is a cornerstone of modern literature that asks us to reconsider everything we know about art, freedom, and morality.

Beinahe neunzig und immer noch erstaunlich gut in Form. Wie keine andere Schrift markiert die Futura von Paul Renner den Aufbruch in die Moderne. Von Frankfurt aus eroberte sie die Welt. Sie war die Schrift der neuen Gestaltung und der Bauhausbewegung. Im München der späten Zwanzigerjahre wurde sie Zeitzeuge des Grabens, der sich zwischen dem weltoffen-liberalen Zeitgeist des Konstruktivismus und dem erstarkenden Faschismus auftat. Und weil eine Schrift sich nicht aussuchen kann, wer sie nutzt, diente sie beiden Seiten. In Paris begann sie ihre internationale Karriere unter anderem Namen – und wagte den Sprung über den Atlantik. Im aufstrebenden New York der Mad Men wurde sie Werbers Lieblingsschrift und fand von dort den Weg zurück ins Wirtschaftswunderland der Fünfziger- und Sechzigerjahre. Kaum eine Schrift hat einen derartigen Type-Hype erlebt und ausgelöst – und keine andere hat je ein Denkmal auf dem Mond bekommen. Dieses Buch ist eine kulturelle und ästhetische Zeitreise zurück in die Zukunft.

curated city guides – los angeles

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martel s.

czech typefaces 1910-2010

quasi momente

une retrospective (1969–1994)

photographer of style

the continuing story of life on earth

assignments in design education

coming soon

journal of architectural association of ireland

bilderlust.plakate

the movements of clouds around mount fuji

transposition

on carte blanche

was getan werden sollte / what ought to be done

what people do for money

ein pionier der schweizer grafik

visual design in action

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strategien in musik und kunst

typology 1979

sacrifice your body

memories of the moonage

stiftung bauhaus

it was a pleasure to burn

the adventures of surgio and the other guy

what is this thing called polaroid?

catalog 2016

by lodown magazine