The 25th edition of FANTASTIC MAN stars the magnificent artist and director STEVE McQUEEN on the cover, photographed in his adopted-hometown of Amsterdam while speaking his mind in between film projects. McQUEEN is joined within by literary sensation ÉDOUARD LOUIS, affable restaurateur JEREMY KING, enterprising actor WOODY HARRELSON, French comedic superstar GAD ELMALEH and photographer COLLIER SCHORR in a series of unprecedented self-portraiture. Elsewhere in the issue, five men get straight to the point in a new feature titled KINDLY PITCHING, the happy consequences of balding are investigated and the latest fashions travel to Tenerife, Newcastle upon Tyne, the metaphorical campsite and to TOM BIANCHI’s Palm Springs abode. It’s a milestone!

SLEEK dedicates issue 53 to The New Revolutionaries, the previously politically apathetic generation that is now waking up across the worlds of art and fashion. Dissecting the current generation are our art and fashion editors, Will Furtado and Jessica Hannan, seeing how these cultures respond during a time of deep uncertainty for the future. Additionally, we visit Juergen Teller at his home in Bavaria, where he talks about working with Charlotte Rampling and art in the age of Instagram. Elsewhere in the magazine, Grayson Perry talks about why men need to be feminists, and we have a conversation with Chris Kraus about failure and inventing Karl Ove Knausgaard. For our cover story, photographer Mark Rabadan and stylist Toby Grimditch join forces in a womenswear editorial entitled “Working 9-5”.

39NULL ist ein ideologisch und politisch unabhängiges Kultur- und Gesellschaftsmagazin, das nach Südtirol und weit über seine Grenzen hinaus blickt. Es erscheint einmal jährlich als fundiertes, mehrsprachiges Themenheft mit anspruchsvollen Inhalten und einem klaren Layout. 39NULL schaut hin, hört zu, stellt Fragen, kritisch, hellwach, zugewandt. Es will Aufmerksamkeit schärfen, informieren, ohne zu belehren, und komplexe Inhalte zugänglich und verständlich aufbereiten. 39NULL reflektiert den Zeitgeist, befragt Akteure des kulturellen Lebens, erzählt persönliche Geschichten und beleuchtet unterschiedliche Standpunkte.

In the summer of 2015 writer Roman Ehrlich and photographer Michael Disqué visited the German army base Camp Marmal in Mazar-e Sharif in Afghanistan. Their aim was to portray the life of the soldiers in the camp without falling back on the standard narratives of journalistic reportage. At the heart of the book are the structures that the soldiers have created for themselves and the interaction between the camp’s architecture and its inhabitants; the extreme artificiality of the living environment; and the civilian aspect of life there that extends throughout the camp in spite of it being a military organization. Derived from a term used to mean the battlefield, Theatre of War represents all the aspects of “staging” that determine warfare — depicted here first and foremost in its most banal form: the everyday life of the camp as seen in its offices, workshops, and accommodation areas, in its utility hubs and kitchens, as the war’s employees occupy their time waiting and contemplating.

Wir finden einen Künstler in malerischen Landschaften, Kunstinteressierte erkennen die Orte, an denen schon die bedeutendsten Maler der letzten Jahrhunderte gemalt haben. Dort, wo der Blaue Reiter, Monet oder Van Gogh gewirkt haben, steht Hank Schmidt in der Beek im karierten Hemd vor seiner Leinwand, die auf einer Staffelei ruht. Seine Hand hält den Pinsel, er malt. Jedoch erkennt man auf der Leinwand nicht die Motive, die die berühmten Vorgänger hier malten: Die Leinwand zeigt das selbe karierte Muster, das auch das Hemd des Malers ziert. Seit 2009 arbeitet Hank Schmidt in der Beek an der fortführenden Reihe „Und im Sommer tu ich malen“. Gemeinsam mit dem Fotografen Fabian Schubert reist er durch ganz Europa, um an den Wirkungsorten berühmter Maler seine Kleidung zu malen.

_Kontrolle aller Art von Bildern _Ästhetische Regeln von Zensur _Rezeption der Bildlichkeit _Buchlayout interpretiert zensierte Ästhetik _Mit einem Vorwort von Erik Spiekermann Diese Publikation der in Berlin ansässigen Autorin und Gestalterin Marion Kliesch wurde mit dem „Wilhelm Braun-Feldweg-Förderpreis für designkritische Texte 2016“ und dem „Förderpreis für junge Buchgestaltung“ der Stiftung Buchkunst ausgezeichnet. Bilder haben das Potential, Macht auszuüben, weswegen sie, früher wie heute, zurückgehalten und manipuliert werden. Die Gestalterin Marion Kliesch untersucht, wie Informationsunterdrückung bildhaft in Erscheinung tritt, also wie Bilder zensiert werden und was das für deren Rezeption bedeutet. Wie wirken diese Bilder und was lässt sich über ihre Ästhetik sagen? Und wie beeinflussen verdeckte, verpixelte oder unsichtbar gemachte Bilder unsere visuelle Wahrnehmung? Im ersten Teil des Buches wird die Vielschichtigkeit des Themas aufgefächert und beschrieben. Im zweiten Teil werden stichprobenartig verschiedene Fälle von visueller Zensur aus den Bereichen Zensur des Körpers, Zensur des Raumes und Zensur des Gedächtnisses analysiert. Die Beispiele spannen einen Bogen vom Verpixeln von Körperteilen über das regelrechte Verschwinden von Landesteilen auf Satellitenbildern bis hin zu Zugangsblockaden zum Wissen der Welt im Internet.

Reportagen, das unabhängige Magazin für erzählte Gegenwart. Herausragende Autorinnen und Autoren berichten in spannenden Reportagen aus dieser Welt. Vor Ort recherchiert, persönlich bei den Protagonisten und abseits der ausgetretenen Pfade. Jeden zweiten Monat neu.

No fashion, please! – die Verweigerung herkömmlicher Vorstellungen von Mode und Schönheit ist das zentrale Thema der 19 Einzelpräsentationen aus der internationalen zeitgenössischen Fotografieszene vorgestellt, die die fundamentale Beziehung zwischen Körper und (Be-)Kleidung, die Dialektik zwischen Form und Erscheinung des Körpers untersucht und hinterfragt. Die ausgewählten Künstler stehen in der Tradition der Körperkunst und arbeiten stark mit Querverweisen zu Installationen, Zeremonien und Ritualen.

AA Files is the Architectural Association School of Architecture’s journal of record and the successor to a long line of AA house journals (including titles such as AA Notes, AA Journal, Arena and AAQ) that began with the school’s founding in 1847. Launched in 1981 by the AA’s then chairman, Alvin Boyarsky, the journal appears twice a year and is sent out to members of the Architectural Association, individual subscribers and is distributed to a global network of bookshops. Since 2007 AA Files has been under the editorship of Thomas Weaver, the fourth of its editors, following Mary Wall, Mark Rappolt and David Terrien, who, with issue 57, initiated a redesign that saw the introduction of a new graphic design template, developed and still produced by the John Morgan studio, and a shift of focus in terms of its content towards more writerly models of scholarship, criticism and investigation, prompted not only by work, exhibitions and events from within the school, but by a rich and eclectic mix of architectural enquiry from all over the world.

At once radical, controversial and revered, Marina Abramovic (*1946 in Belgrade, Serbia) is one of the most discussed artists today. Famous for her groundbreaking performance works, she continues to expand the boundaries of art. The publication accompanying her first major retrospective in Europe gives an extensive overview of her work from the earliest years until today: film, photography, paintings and objects, installations and archival material. Since the early 1970s Marina Abramovic explores the intersection between performing and visual art in her work and, though rarely overtly political, poses questions of power and hierarchy. In addressing fundamental issues of our existence and seeking the core of notions like loss, memory, pain, endurance, and trust, she both provokes and moves us.

The publication Up Up—Stories of Johannesburg’s Highrises presents a selection of buildings in the inner city of Johannesburg. The focus lies on tall modernist towers that stood out at the time they were constructed. Witnesses to profound shifts in the political history of the metropolis, the buildings have gone through immense changes. They are documented in two distinct sections: One the one hand the formal architecture is presented with facts, floor plans, archival discoveries and contemporary images of the interior and the exterior. On the other hand each building is accompanied by a reportage or subjective essay on the inner workings of the building. Interviews with residents, research based texts on contemporary issues and independent contributions from invited writers, artists and photographers allow brief insights into the old and new lives of these towers.

This collection presents, for the first time in English, the best of Sasaki Maki’s work, mainly from alt-manga super magazine Garo. Drawn between 1967 and 1974, the fifteen stories here follow Sasaki’s groundbreaking exploration of collage methods in comics storytelling, weaving through references to R&B, rock ‘n’ roll, the Vietnam War, Andy Warhol, the Summer of Love, the Beatles, British humour, and the wacky world of Japanese consumerism. Ding Dong Circus demonstrates what manga fans already knew: that in Sasaki Maki, Japan can claim not only a pioneer in experimental comics, but one of the world’s masters of Pop Art and a trenchant avant-garde critic of the Sixties.

The Militant Image Reader versammelt acht sehr verschiedenartige Texte von TheoretikerInnen und KünstlerInnen aus Europa und Nordamerika, die über das gegenwärtige Verhältnis von künstlerischer Repräsentation und sozialen Veränderungen spekulieren. Die Publikation lässt sich auf das militante Bild ein, ohne es definieren zu wollen – möglicherweise vergänglich, flüchtig, flüsternd und am Rande der Sichtbarkeit zirkulierend, zeigt das militante Bild dennoch, dass neue Voraussetzungen der Bilder auf die radikal ungleichen Voraussetzungen der Gegenwart reagieren müssen.

In »Dialogues« führt die in Brüssel lebende deutsche Künstlerin Stephanie Kiwitt zum ersten Mal verschiedene Arbeiten der letzten Jahre, die sie in Form von Publikationen und Ausstellungsprojekten realisiert hat, in einem gemeinsamen Kontext zusammen. Neue Anschlüsse von Bild zu Bild entstehen, die es so nie gegeben hat, jedes neue Bild ist ein Sprung in der Zeit und im Raum, zwischen Belgien und Marseille, Prag und Gent … Oder handelt es sich eher um Kollisionen, denn um neue Anschlüsse? Anschnitte, Ausschnitte, Bilder, die über ihren Rand hinausreichen, die weiterführen, woanders hinführen – vielleicht in ein anderes Bild hinein? In besonderer Weise gelingt es Stephanie Kiwitt, ihre Bilder, Serien und Bücher an einer Grenze anzusiedeln, an der eine Beschreibung etwas eröffnet und ermöglicht, anstatt es auszuformulieren und abzuschließen, eine Grenze, an der die Bilder etwas zur Verfügung stellen anstatt es zu demonstrieren. Diese Öffnung ereignet sich nicht ohne zutun, sie muss in Gang gesetzt werden – durch Bilder, die nicht zufällig entstehen und auch nicht beiläufig, die aber nicht so tun, als wüssten sie es immer schon besser, Bilder, denen eine Zurückhaltung eigen ist, durch die sie einen Dialog eröffnen, sowohl zwischen den Bildern selbst als auch mit ihren BetrachterInnen.

_Renaissance analoger Druckverfahren _Fundierter einführendender Überblick _Fokus auf die aktuelle Risographie-Szene _Mit umfangreicher Dokumentation risographischer Erzeugnisse Die Risographie, benannt nach der japanischen Firma Riso, ist ein Schablonendruckverfahren nach Art der Siebdrucktechnik, welches in der Übergangsphase vom mechanischen zum digitalen Drucken entwickelt wurde. Obwohl die Druckmaschine aussieht wie ein Kopiergerät, wird die Farbe ohne Anwendung von Hitze und Chemie auf das Papier gebracht, also energiesparend und ökologisch. Heute haben Grafiker und Designer aus der ganzen Welt den Risographen – und die entsprechenden Maschinen für ähnliche, schon fast vergessene Techniken wie die Mimeographie– für sich entdeckt und eine unerwartete Renaissance des analogen Druckens in Gang gesetzt. Auf eine sorgfältig recherchierte Einführung über Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft folgt ein Beitrag über wichtige Pioniere der aktuellen Risographie-Szene. Im Kapitel Risoworld werden besondere risographie-affine Verlage, Druckereien und Designstudios aus der ganzen Welt vorgestellt. Das Herzstück des Bandes sind wunderbare, ganz unterschiedliche Arbeiten wie Postkarten, Magazine, Poster, Flyer und experimentelle Druckerzeugnisse, die allesamt durch die Kraft der Farben der ganz eigenen Textur und vor allem der perfekt unperfekten Authentizität der Risographie begeistern.

leipzig, märz 2017

Haifisch’s idiosyncratic, episodic comic chronicles the experiences of a young artist in his formative years, satirising the exclusive, ephemeral and frequently absurd world of fine art. Plagued by doubts and anxiety, the artist is confronted with constant setbacks punctuated by occasional, surprising glimpses of recognition. The Artist was printed by offset lithography at DeckersSnoeck in Belgium.

This book is the first to document the remarkable history of the International Institute of Design (IID), an independent school of architecture founded and directed by Alvin Boyarsky from 1970 – 72, and highlights a pivotal episode in the career of Boyarsky, best known for his subsequent role as chairman of the Architectural Association (1971 – 90). Launched in the wake of the institutional upheavals that had swept schools of architecture during the late 1960s, the IID introduced an alternative model of architectural instruction: one that brought together a range of teaching methods, design strategies, theories and projects alongside an international assortment of protagonists. In Progress details this short-lived experiment through a trove of previously unpublished material, and reveals how three informal architectural gatherings, held over three successive summers, can be seen to have established not only a network of architects and discourses, but a new model for architectural education.

Disobedient Bodies: JW Anderson at The Hepworth Wakefield has been published alongside the exhibition of the same name, curated by JW Anderson and opening The Hepworth Wakefield in March 2017. The book – made in a close collaboration between Jonathan Anderson, Andrew Bonacina and OK-RM – acts as an alternative exhibition space in which the pairings and combinations that unfold within The Hepworth’s galleries come in to play with images from Anderson’s collaborative photographic projects with Jamie Hawkesworth. The book object comprises a series of interleaved sections amassing 142 pages and featuring works by Barbara Hepworth, Henry Moore, Constantin Brancusi, Eileen Gray, Sarah Lucas, Jean Paul Gaultier, Christian Dior, Helmut Lang and many more, alongside contributions from Anderson’s own collections.

Dieses Heft passt ja wohl voll in die Zeit, denn mehr Schlamassel, als er derzeit von durchgeknallten Regierungschefs wie Putin, Trump der Erdogan angerichtet wird, gibt´s ja kaum. Gleichzeitig kann sich ein Schlamassel auch wieder auflösen, weswegen unser Heft bei aller Zustandsbeschreibung auch Trost spendet, Lösungen sucht und z.B. der Frage nachgeht, wie wahrscheinlich ein Attentat auf Trump ist.

This illuminating new book tells the story of Doug Aitken's Station to Station project, a nomadic happening that crossed North America by train and continues to explore creativity in the modern landscape. Doug Aitken's Station to Station project is a high speed road trip through modern creativity. Over a 23-day period, the project crossed North America by train presenting a series of cultural interventions and site-specific happenings that took place in ten cities between New York and San Francisco. The train, designed as a moving, kinetic light sculpture, was at the center of it all, housing the constantly changing group of creative individuals and broadcasting experiences to a global audience. Over one hundred unique projects took place during the journey, created by today's leading contributors in contemporary art, music, literature, and culture. This volume presents the ideas that emerged from Station to Station. Stunning full-color illustrations and multiple conversations with Aitken onboard the train document the journey from East to West. In addition to 150 images, this book includes an introduction by Dean Kuipers and interviews with Beck, Bice Curiger, Scott Dadich, Dan Deacon, Olafur Eliasson, Urs Fischer, Liz Glynn, Carsten Holler, Thurston Moore, Giorgio Moroder, Ed Ruscha, Lawrence Weiner, and many more.

märz, 2017

Boxcar ist ein Foto-Magazin über Graffiti auf Güterzügen.

The Index Book bietet eine Übersicht zu Architektur und Produktdesign von Matteo Thun – von seinen frühesten Arbeiten bis heute, von A bis Z sortiert. Das Indexbuch fungiert dabei nicht als klassische Monografie, sondern als eine Art Röntgenaufnahme. Es durchleuchtet und analysiert die verschiedenen Niveaus und Schichten von Thuns Welt und bedient sich dazu emotionaler Bilder und Begriffe. Matteo Thun durch sein Werk verstehen, »vom Löffel zur Stadt«: von der Kaffeetasse bis zum Restaurant, vom Berghotel bis zur Armbanduhr, vom Kochtopf bis zur Villa in Alleinlage. Mit einer Vielzahl ausdrucksstarker Illustrationen, wie Plänen, Aquarellskizzen, Fotografien und Zeichnungen. Anhand von zentralen Themen wie Ökologie und Umwelt, Ökonomie und Ästhetik, Energiesparen und Luxus heute. Ein Leitmotiv von Matteo Thun ist dabei die Nachhaltigkeit. Und immer liegt seinen Arbeiten ein ganzheitlicher Ansatz zugrunde.

Die Polaroids waren Dash Snows “Eintritt” in die Kunstwelt und wurden der Legende nach von ihm gemacht, um Erlebnisse zu dokumentieren, an die er sich aufgrund seines Rauschzustandes sonst nicht erinnern könnte. Die sehr spontan wirkenden Aufnahmen zeigen skurrile Alltagsszenen, Partys, Drogenkonsum, sexuelle Anspielungen und sehr intime Portraits aus der Umgebung des Künstlers. In vielen Polaroids taucht der Künstler selbst auf und wird damit gleichzeitig zum Verwalter und Subjekt seiner Bilder.

TECHNOLOGIE UND DAS UNHEIMLICHE ● About ● Editions: Bunker / Dinosaurs / Enigma / Base Matters / Bunker Rev. / Reproductive / T+U Mini ● Book Fairs: It's a Book / I Never Read / Friends with Books / Toronto ● Sounds ● Imprint News T+U at Mzin / Technologie und das Unheimliche vol. IV. “Base Matters” release event 22. 03. 2017 / 19h Mzin Leipzig and T+U are pleased to invite you to the release ​event of the 4th edition of “Technologie und das Unheimliche” magazine, entitled “Base Matters”. The key topic of the issue reverberates the works of Georges Bataille, as well as the spirit of DOCUMENTS, his renowned surrealist art magazine. The new issue of T+U, that has been designed by Anna-Luise Lorrenz, presents essays, collages, photos, and artworks of international contributors focusing on the versatile aspects of Bataille's subversive and ambivalent materialism. A materialism that aims to irritate the hygienic and synthetic realm of pure reason by proclaiming the triumph of formlessness, baseness, and abjection. Presentations by T+U editors: Dan Jack Harvey, Krisztina Hunya and M​a​rk Fridvalszki Music by: Kilian Krings (S​ign Bit Zero​ / Z​ensor Tot​! ​Leben Geht Weiter.​) T+U at IT'S A BOOK 2017 Independent Publishing Fair 25. 03. 2017 / HGB (Wächterstasse 11, D-4107 Leipzig) 12h – 21h / Admission is free! From 22h after show party! T+U presents: T+U vol. IV. “Base Matters” release party and FKSE fundraising event 22.12.2016 / 6pm-5am / FKSE, 1077 Budapest, Rottenbiller st. 35 ■ Program: Annual Christmas Party: Æ (SK), Benzokai (EST), Nova Gravity (H), Jacques Kustod (SK), Palmovka (CZ), C-Kay (JPN), Zapphire (H) ■ Inaugural Meeting of the Hungarian Coprosophical Society with Absentology (Márk Horváth, Ádám Lovász), T+U (Zsolt Miklósvölgyi, Márió Z. Nemes) and Tamás Seregi ■ T+U vol. IV. “Base Matters” book launch ■ Peformance by Ábris Gryllus & Tamara Zsófia Vadas ■ !!! Final collapse will be guaranteed !!! ■ Event here… Technologie und das Unheimliche vol. IV. “Base Matters” “The process of becoming-soil is also the process of becoming bird, plant, crystal; it is also to become preparation, plastic or machine, since within our planetary conditions the formless vortex of technology and nature is the wild happening of the world. Such impure transformations are nevertheless production, processing and birth, for the process of creation is necessarily filthy, whilst, as Radomir Konstantinović argues in the spirit of Bataille’s legacy, only uniformity can be in- nocent.”

Fotografien aus den Jahren 2013 bis 2017 aufgenommen in verschiedenen Städten mit unterschiedlichen Fotoapparaten

In seinem Atelier legt Tillmans zur Übersicht Bilder auf langen Tischen aus, bevor sie an der Wand oder im Buch ihren Platz finden. Diese Arbeitsweise wird hier zum Konzept, das Buch zur Installation: In Manual ordnet er eigene Photographien, malerische Arbeiten und Texte sowie vorgefundene Zeitungsartikel zu einer assoziativen Gesamtschau an. Das Material verdichtet sich so zu einer komplexen künstlerischen Auseinandersetzung mit unterschiedlichen sozialen und politischen Themen, die der Künstler seit Jahren verfolgt. Tillmans schafft damit eine überzeugende Ergänzung zu seinen rein photographischen Arbeiten. Für Wolfgang Tillmans sind Installation und Präsentation seiner Arbeit ebenso wichtig wie die Arbeit selbst. Mit Manual assoziiert er ein “Handbuch” für die Erforschung der sichtbaren Welt. Es versteht sich aber auch als “Anleitung” zu Tillmans’ Oeuvre, als Kompendium, in dem der Künstler seine persönliche Sicht auf die eigene Arbeit vorstellt.

This exhibition catalog captures the striking pairings of Matisse’s paintings and drawings with iconic works by artists such as Marc Chagall, Paul Cézanne, Vincent van Gogh and Pablo Picasso. – See more at: http://www.stedelijk.nl/en/collection/publications#sthash.vVkMnnSe.dpuf

In den Zeichnungen und Grafiken von Maribel Mas treten die Interferenzen zufällig auf, an den Berührungspunkten der Linien. Unter Verwendung von Schablonen aus Papier kann die Künstlerin straffe Linien ziehen, die dann wie die Saiten eines Musikinstrumentes in Schwingung versetzt werden können. Tatsächlich haben die Wiederholungsmuster serieller Musik einen bemerkenswerten Einfluss auf ihre Arbeit, besonders die minimalistischen Kompositionen von Steve Reich und das Streben nach einer „phase music“, in der identische Klangphasen aufeinander gelegt werden mit minimalen Umstellungen. Mit einem ähnlichen Ansatz spielt die Künstlerin mit der Möglichkeit einer „phase drawing“. Dafür verwendet sie nur die einfachsten Materialien: Papier und Tusche. Das Papier, mehr als eine tragende Oberfläche, wird zum aktiven Element. Den einzigartigen Charakter eines nicht industriellen, nicht standarisierten Materials zu verstehen und entdecken war ein langsamer Prozess, ermöglicht durch die Zusammenarbeit mit Handwerksmeistern in Japan, die die verschiedenen von ihr verwendeten Papiersorten aus Ganpi-, Mitsumata- und Kouzofasern herstellen. In ihrer Barcelonaer Werkstatt und der Leipziger Spinnerei hat Maribel Mas an diversen Grafikprojekten mitgewirkt, in denen sie neue Möglichkeiten der Linie entdecken konnte. Ausgehend von diesen Erfahrungen mit Lithografie, Cliché verre und Photopolymer konzentriert sie ihr Werk auf sich wiederholenden Linien als konstruktives Element. Die Interferenzen, die auf natürliche Weise in einem Arbeitsverfahren ohne vorherige Skizzen entstehen, laden zum Nachdenken ein: über die Vielfältigkeit und Unbeständigkeit der Dinge – oder aber sie eröffnen einen Spielraum, in dem der Blick mit den Linien frei spielen kann. Die Zeichnerin und Lithografin Maribel Mas ist 1967 in Caracas geboren. Im Jahr 2000 ließ sie sich in Barcelona nieder, wo sie sich auf Lithografie spezialisierte und 2005 die Druckwerkstatt „Taller Esquina“ gründete. Heute arbeitet sie gemeinsam mit Museen und Kunsthochschulen an verschiedenen grafischen Projekten. Ihre Werke sind bereits in vielen Städten ausgestellt worden – Barcelona, Madrid, Paris, Osaka und Leipzig, wo sie seit 2015 lebt. Übersetzung: Margarita Borja Salazar und David Burnett, Leipzig. Fotografien: Uwe Walter, Berlin.

In einer Zeit schwieriger und verwirrender gesellschaftlicher und kultureller Transformationen, in der die Frage nach der Unterscheidung zwischen dem Wahren und dem Realen immer unmöglicher gemacht zu werden scheint, muss man den Blick möglicherweise – wie wir es bereits in den beiden vorangegangenen Ausgaben getan haben – vom Zentrum weg auf Peripherien richten, müssen wir […]

HOTSHOE is the UK's leading contemporary photography magazine, published 4 times a year HOTSHOE is repeatedly the first to spot and support innovative work. Our accessible features are not only the product of a powerful visual aesthetic, but also strong writing and intelligent design. The multitude of voices and opinion that makes up Hotshoe include some of the most important names in photography today, writing in one of the few truly independent publications. Forty years after the launch of our print magazine,The Hotshoe App edition was released, available on Kindle Fire, Windows 8, and iPad bringing a whole new world of contemporary photography through your postbox and onto your tablet.

The mid-1960s witnessed a boom in underground and selfpublished works. Hectographs, mimeographs, and offset printing not only allowed for the production of small, lowcost print runs but also promote a unique aesthetic: using wild mock-ups, »messianic amateurs« combined typescript aesthetics, handwriting, scribbled drawings, assemblages of collaged visuals, porn photos, snapshots, and comic strips. The typography consciously frees itself, in parallel to a liberalization of linguistic and visual forms of expression in the name of a new »sensibility«. This book (which appears in conjunction with an exhibition at the Weserburg in Bremen) is the first to present the underground and self-published works that came out of West Germany in such depth, while also showing the internationalcontext in which they emerged: not as an anecdotal history but as an attempt to tap into the aesthetic cosmos of a Do-It-Yourself rebellion, one that also challenges us to take a new look at the current boom in »independent publishing«, the risograph aesthetic, and so on.

The mid-1960s witnessed a boom in underground and selfpublished works. Hectographs, mimeographs, and offset printing not only allowed for the production of small, lowcost print runs but also promote a unique aesthetic: using wild mock-ups, »messianic amateurs« combined typescript aesthetics, handwriting, scribbled drawings, assemblages of collaged visuals, porn photos, snapshots, and comic strips. The typography consciously frees itself, in parallel to a liberalization of linguistic and visual forms of expression in the name of a new »sensibility«. This book (which appears in conjunction with an exhibition at the Weserburg in Bremen) is the first to present the underground and self-published works that came out of West Germany in such depth, while also showing the internationalcontext in which they emerged: not as an anecdotal history but as an attempt to tap into the aesthetic cosmos of a Do-It-Yourself rebellion, one that also challenges us to take a new look at the current boom in »independent publishing«, the risograph aesthetic, and so on.

With the publication Metafiction, we pay a tribute to the many renowned artists with whom we have worked over the past 25 years including Blommers/Schumm, Anne de Vries, Freudenthal/Verhagen and Jaap Scheeren.